Cinecircolo Casalini

La Stagione Cinematografica 2011/2012

2011-11-21T13:41:00.001-08:00

(Cliccate sui titoli per accedere alle schede dei film con i trailer e le foto in alta risoluzione scaricabili)

16 dicembre

Il ragazzo con la bicicletta

di Luc e Jean-Pierre Dardenne

13 gennaio

Tutti per uno

di RomainGoupil

20 gennaio

Una separazione

di AsgharFarhadi

3 febbraio

OffiCinema
Omaggio a LeeChang-dong

10 febbraio

Tomboy

di Céline Sciamma

17 febbraio

Terraferma

di EmanueleCrialese

24 febbraio

Il villaggio di cartone

diErmanno Olmi

2 marzo

Il primo incarico

di GiorgiaCecere

9 marzo

OffiCinema
Omaggio a MicheleRiondino

23 marzo

Drive

di Nicolas Winding Refn

30 marzo

Il truffacuori

di PascalChaumeil

13 aprile

OffiCinema
Omaggio a BenStiller

20 aprile

Pina

di Wim Wenders

OrarioSpettacoli: 17.45 e 21.15

QuotaSociale: Adulti € 33,00 – Studenti € 27,00

SalaChaplin (Consultorio “Il Focolare”)

ViaPlateia 142 - 74100 Taranto - Telefono 099.7353802

aderenteal Centro Studi Cinematografici

16 dicembre, "Il ragazzo con la bicicletta" di Luc e Jean-Pierre Dardenne

2011-11-21T09:22:00.001-08:00

Il ragazzo con labicicletta

di Luc e Jean-PierreDardenne

(Le gamin au vélo)

Con Cécile De France eOlivier Gourmet

Belgio, 2011

Durata: 87’

Drammatico

Cyril ha quasi dodicianni e una sola idea fissa: ritrovare il padre che lo ha lasciatotemporaneamente in un centro di accoglienza per l'infanzia. Incontraper caso Samantha, che ha un negozio da parrucchiera e che accetta ditenerlo con sé durante i fine settimana.

Thomas Doret incarna conlirismo lo spirito gaio e selvaggio dei mistons di Truffaut,di cui riproduce i comportamenti anarchici e antiautoritari negliesterni e in mancanza di interni domestici e familiari adeguati.Cyril, figlio ripudiato con gli anni in tasca, resiste a muso duro alvuoto affettivo che lo circonda, pedalando dentro e attraverso lapaura, intestardendosi nel silenzio o facendo il diavolo a quattro.Il reale per il fanciullo è sempre in agguato ma ad esso si oppone‘aggrappandosi' e stringendosi forte a una figura femminile bella eraggiungibile come una mamma. Cécile de France, sopravvissuta allotsunami di Clint Eastwood, è il volto e il corpo che Cyril vuole persé, la figura materna che pretende e a cui si concede. La lororelazione procede per tentativi ed errori, come ogni processo diapprendimento, producendo una passeggiata a due ruote di grande forzaespressiva e creativa. Una promenade che risana lo scartodell'essere stati generati senza essere stati appropriatamenteallevati, ma prima ancora desiderati. Samantha e il suo negozio dicoiffeur diventano allora l'ancora di salvezza e il riscatto socialeper quel ‘ragazzo selvaggio', sempre fiero, sempre contro. Se comesosteneva Luigi Comencini mettersi al livello dell'infanzia èl'unico modo per liberarla, i Dardenne accreditano e ribadiscono lasua affermazione, accompagnando la corsa di Cyril verso una raggiuntaconsapevolezza e un nuovo elemento: l'amore.

(Marzia Gandolfi, daMyMovies.it)

13 gennaio 2012, "Tutti per uno" di Romain Goupil

2011-11-21T09:11:00.001-08:00

Tutti per uno

di Romain Goupil

(Les mains en l'air)

Con Alice Butaud e ValeriaBruni Tedeschi

Francia, 2010

Durata: 90’

Drammatico

Milana è una bambina diorigine cecena che vive a Parigi. Quando l'amico Youssef, vienerimpatriato perché i genitori non hanno il permesso di soggiorno, lostesso destino sembra attendere anche lei. Ma i suoi compagnidecidono di mettere in atto un piano per salvarla...

Diviso fra l’orrore delleleggi e lo stupore dell’infanzia, l’emergenza dei sans papierse l’urgenza del crescere tutti insieme, Goupil segue il suocolorito gruppetto di protagonisti senza mai perdere d’occhio gliadulti, anzi ne registra le incertezze e la cautela, l’indignazionee la tendenza al compromesso (incarnata dal padre di Blaise, cheironicamente è proprio il regista Goupil, nella vita «gauchiste»non pentito).

Ma il bello del film èproprio il tono apparentemente svagato con cui segue le peripezie ditutti, adulti e bambini, a scuola e poi in vacanza (c’è una lungadigressione in Bretagna, in cui tutto sembra mettersi per il meglio,che prepara la svolta della seconda parte). Per mettere le ali quandosegue l’evoluzione della piccola rete «clandestina» allestita daicompagni di classe di Milana. Prima per trafficare in cellulari edvd, perché i riti dell’infanzia non cambiano ma i suoi oggettisì.

Poi per combattere non solole leggi ma il mondo degli adulti, con un’azione esemplare cherimetterà tutto in discussione. Difficile affrontare un problemacosì logorato dalla cronaca in modo più spiazzante. Come ci ricordaanche il prologo che sospende tutto in un lontano futuro. Quandol’anziana Milana ricorda quegli anni lontani come un’avventuraormai assurda. Successa sotto un Presidente di cui non ricorda piùil nome.

(Fabio Ferzetti, da IlMessaggero, 3/6/11)

20 gennaio 2012, "Una separazione" di Asghar Farhadi

2011-11-21T08:57:00.001-08:00

Una separazione

di Asghar Farhadi

(Jodaeiye Nader az Simin)

Con Leila Hatami e MerilaZarei

Iran, 2011

Durata: 123’

Drammatico

Nader e Simin hannoottenuto il visto per lasciare l'Iran ma lui si rifiuta diabbandonare il padre affetto da Alzheimer. Simin intende chiedere ildivorzio per partire lo stesso con la figlia Termeh, mentre Nader sitrova coinvolto in una rete di bugie, manipolazioni e confronti...

Nader and Simin, aSeparation è un film di scrittura, ancorato alla realtà, allaquotidianità del popolo iraniano, alle questioni religiose, alconcetto di verità e menzogna: il primissimo pregio di Farhadi,ovviamente anche sceneggiatore dei suoi film (e non solo), è disaper controllare e plasmare tutto questo materiale, di non eccederemai, di non smarrirsi nel labirinto narrativo, di saper mettere inscena con piglio modernamente neorealista i volti, le parole e isentimenti dei suoi personaggi, della gente comune. Il cinema diFarhadi è stratificato eppure immediato (…): le difficoltà e glierrori dei singoli andranno a sommarsi, ingigantendosi, svelandocolpe, menzogne, rivelando debolezze. E sulla menzogna (o, meglio,sulla verità), con annessi e connessi religiosi, Farhadi costruisceuna moderna operetta morale, indagando sulle motivazioni dei gesti esulle inevitabili conseguenze: lucido, mai al di sopra dei propripersonaggi, lontano da qualsiasi giudizio, il cineasta iranianoriesce a mettere in scena con spiazzante lucidità e profonditàstorie già viste e raccontate. Ma la forza di Farhadi è nel puntodi osservazione, nella qualità della scrittura, nel peso specificodelle parole, degli sguardi, del sottaciuto. E nei dettagli: lagioiosa corsa per le scale di Nader e Termeh, il fuori campo finaledella stessa Termeh, il pianto di Nader sulla spalla dell'anziano emalandato padre...

(Enrico Azzano, daCineClandestino.it)

3 febbraio 2012, OffiCinema: Omaggio a Lee Chang-dong

2011-11-21T08:36:00.001-08:00

OffiCinema

Omaggio a Lee Chang-dong

AVVISO AI SOCI

solo per l'OffiCinema dedicata a Lee Chang-dong

sono previsti gli incontri sia alle ore 17.45 che alle ore 21.15

Lee Chang-dong

Nato nel 1954 a Daegu in Corea, Lee Chang-dong si è diplomato in lingua e letteratura coreana presso l’Università di Kyungbuk. Comincia la sua carriera in teatro a vent’anni, poi intraprende una carriera letteraria e di insegnante di liceo diventando uno degli scrittori più in vista della sua generazione. Ma nel 1993, su incoraggiamento del suo amico, il cineasta impegnato Park Kwang-su, si unisce come sceneggiatore e aiuto regista alla produzione del film L’Ile Etoilée. In seguito collaborerà con Park come sceneggiatore di A Single Spark nel 1995.

Con il lungometraggio Green Fish, film noir unico nel suo genere che sorprende il pubblico coreano per la sua descrizione realista dell’ambiente criminale, fa il suo debutto come regista. Green Fish è una sperimentazione delle convenzioni del film di genere e del mondo reale. Lee Chandong proseguirà in questa esplorazione della vita e del cinema con Peppermint Candy, film in cui gioca col procedimento del ritorno indietro nel tempo, e con Oasis in cui esamina il significato di vero amore. Con questi due film ottiene il consenso della critica e un successo popolare ancora maggiore di quello che aveva ottenuto con Green Fish, con un’accoglienza entusiasta sia in Corea che a livello internazionale. Oasis varrà a Lee e alla sua attrice protagonista Moon So-ri i premi per la miglior regia e per la migliore interpretazione femminile alla Mostra del Cinema di Venezia. Nel 2002, viene nominato Ministro della Cultura e del Turismo. Quando nel 2004 lascia quell’ incarico, crea una sua società di produzione, la Pine House Film. Il primo film prodotto dalla società sarà il quarto lungometraggio di Lee Chang-dong, Secret Sunshine. Due suoi racconti raccolti in Un éclat dans le ciel sono stati pubblicati in francese dalla casa editrice Seuil nel 2006. Sempre nel 2006, Lee Chang-dong viene nominato cavaliere della Legion d’onore. Secret Sunshine è presentato in competizione ufficiale al Festival di Cannes nel 2007 e l’attrice protagonista Jeon Doyeon vince il premio per la migliore interpretazione femminile. Il film riceve anche il premio per il miglior film e per la miglior regia al sesto Korean Film Award nel 2007, e nel 2008 ottiene i premi per il miglior film e per il miglior regista alla seconda edizione degli Asian Film Awards.

Nel 2009 Lee Chang-dong fa parte della giuria del Festival International du Film di Cannes e coproduce con Laurent Lavolé/Gloria Films, il primo film di Ounie Lecomte Une vie toute neuve.

Attualmente insegna regia e scrittura cinematografica presso l’Università nazionale delle arti di Corea.
Il suo ultimo film è Poetry (2010), in concorso al Festival di Cannes di quell'anno, dove conquista il Premio per la Sceneggiatura (firmata dallo stesso regista) e il Premio della Giuria Ecumenica OCIC.

FILMOGRAFIA

2010 Si/Poetry

2007 Miryang/Secret Sunshine

2002 Oasis/Oasis

2000 Bakha Satang/Peppermint Candy

1996 Chorok Mulgoki/Green Fish

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LeeChang-dong

parYann Kerloc'h

Lee Chang-dong est un homme-clé de la culture coréenne, bien au delà de ses réalisations cinéma, les percutants Oasis et Peppermint Candy : professeur, écrivain, scénariste majeur, il fut surtout ministre de la culture pendant plus d’un an et a marqué l’institution par un style à la Jack Lang. Rencontre à cette occasion, dans son bureau officiel, avec un homme trop philosophe pour être à l’aise dans un ministère.

Au ministère de la Culture et du tourisme de Corée du Sud, un bureau a résisté au protocole pendant que l’occupait le cinéaste Lee Chang-dong, entre 2003 et 2004. Le jour de son investiture, il est venu au volant de sa voiture et sans cravate. Dans une déclaration qui fait le tour du pays, il a comparé ses fonctionnaires à des gangsters, tellement leur protocole lui faisait penser à celui des mafieux. C’est habillé en gangster qu’on a interviewé Lee Chang-dong, après une attente auprès de secrétaires toutes en courbettes qui rappelaient l’importance du personnage. Dans un bureau officiel, c’est bien un ministre en cravate qui nous sert la main. Mais, une fois assis, l’homme enlève le symbolique artifice et le jette théâtralement à l’autre bout de la table de conférence. Puis il allume une cigarette. Lee Chang-dong quittait ainsi son costume d’« ambassadeur de la culture coréenne » pour mettre la casquette "réalisateur", celle qui l’a fait connaître. Son troisième film, Oasis, représente un cinéma coréen en grande forme et un pays lucide par rapport à ses problèmes. Le cinéaste n’a rien du tâcheron officiel, il est plutôt, comme les frères Dardenne en Belgique, un critique acerbe de sa société, respecté mais jamais intégré.

L’homme est tout en contradictions, son corps imposant essayant tant bien que mal de les contenir toutes. Sa promotion couronne à 49 ans un parcours modèle : né dans une famille aisée de province, il a pu faire des études littéraires à Séoul. Il est d’abord un écrivain réputé, puis rejoint le cinéma avec deux scénarios pour le réalisateur Park Kwang-su, To The Starry Island et A Single Spark, des films qui accompagnent le renouveau du cinéma coréen dans les années 90. En 1997, Green Fish le lance d’emblée comme un cinéaste majeur, puis le second, Peppermint Candy, fait sensation en Corée et va à la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. La consécration vient avec Oasis, Prix de la mise en scène et d’interprétation féminine au festival de Venise 2002. Lee Chang-dong n’a donc pas manqué d’occasions de mettre la cravate.
Mais il était aussi du côté des étudiants qui manifestent en 1980, lorsque la Corée est une quasi dictature militaire. Son premier roman, Jeonlli, évoque les émeutes sanglantes de cette année-là à Kwangju, un "Tien An Men" local. Son deuxième livre, qui vient d’être traduit en France sous le titre Nokcheon, affichait clairement sa couleur polémiste. Il s’appelait plus précisément : "Nokcheon est couvert d’excréments".Peppermint Candy, lui, remue littéralement la merde : le film démarre par un suicide, puis remonte vingt ans en arrière pour raconter le massacre de Kwangju, la torture dans les commissariats et la crise économique de 1997. Green Fish est la chronique désenchantée d’une ascension sociale, de la province jusqu’à la mafia de la capitale. Avec Oasis, Lee Chang-dong semble offrir un échappatoire en racontant un amour fou, mais c’est une idylle impossible concrètement, mirage dans un désert de sentiments. "Les gens pensent que je suis pessimiste, admet-il. Mais je crois que je suis optimiste. Si le spectateur peut avoir une affection pour le destin d’un personnage, c’est là que commence l’espoir". Il a accepté son rôle de ministre avec "l’espoir d’un petit changement dans les sujets qui m’ont fait réfléchir". Mais, contradiction oblige, il a longuement hésité à endosser le costume.

Lee Chang-dong réfléchit avant tout sur la liberté et ses entraves, mène la guerre contre les carcans, dans la société ou à l’intérieur de soi. "Il est très difficile de changer les fonctionnaires, c’est mondialement connu, dit-il sans mettre de gants. Puisque nous sommes au Ministère de la Culture, les fonctionnaires doivent penser et réagir librement, comme les artistes. Le plus important est d’être libre". En matière de cinéma, il a du d’atteler à défendre un modèle d’"exception culturelle" inspiré par le système français. La Corée du Sud s’est en effet dotée de quotas qui obligent les cinémas à programmer un certain nombre de films coréens. Lee Chang-dong fut responsable d’un comité de soutien au système et a maintenu fermement cette conviction une fois au ministère. Le pays a une fréquentation qui fait pâlir d’envie.Minority Report avait même été un moment dépassé par… Oasis ! "Mais si on regarde de près, il y a beaucoup de choses à améliorer", constate le cinéaste-ministre. Ainsi la distribution des petits films ou à la fin de restrictions visant les films japonais, pour encore plus de diversité. Il a quitté son ministère notamment parce qu’il ne supportait plus les pressions américaines pour faire sauter les quotas. Il y a quelques mois, ils ont été réduit de moitié et toute la communauté cinématographique, lui en tête, repart en bataille.

Sur sa propre liberté, le ministre Lee Chang-dong était aussi pessimiste que le cinéaste. Son oasis, il la trouvait dans sa voiture, avant d’aller affronter les cravatés : "Je met la musique à fond et je chante, racontait-il . En dehors de ce moment, je ne me sens pas très libre au ministère". Il dit avoir eu "l’impression de rentrer dans un monde complètement inconnu". Les héros de ses films sont des inadaptés à un univers d’hypocrisie. Celui d’Oasis est rendu débile par sa famille conservatrice. "Jong-du est quelqu’un que tout le monde n’aime pas, explique Lee Chang-dong. Il ne sait pas comment s’adapter à la société. De temps en temps, elle l’utilise pour faire des choses que les autres n’aiment pas faire". Jong-du aime une tétraplégique qui désarticule un corps meurtri et s’exprime péniblement, parfois juste en hurlant. Il y avait déjà un personnage d’handicapé dans Green Fish. Pour Lee Chang-dong, c’est est un rappel autobiographique (un membre de la famille est handicapé) et une façon claire de montrer le refoulé de la société, ce qu’on cache parce qu’il exprime le vrai fond.
"Leur point commun est d’avoir un problème de communication", résume t-il. C’est aussi ce qu’on dit de lui, à un niveau moindre évidemment. "Il a une tendance à être très peu communicant, raconte Moon So-ri, l’actrice d’Oasis et de Peppermint Candy. Il peut prendre deux heures pour exprimer sa pensée". C’est vrai que l’homme est un peu ours, mais son sourire est sincère. Un journaliste coréen le juge "difficile au premier abord", mais c’est, là encore, une question de style : "L’habit de tous les jours convient bien à cet homme modeste et pensif", écrit-il par la suite.

Lee Chang-dong nous a en effet longuement parlé dans son bureau de son idée de l’amour ("un rêve partagé, alors que normalement, ce que j’ai rêvé ne peut pas être rêvé par quelqu’un d’autre") ou de son envie d’"expérimenter à quel point un film peut communiquer avec les spectateurs". Il a abandonné le plan fixe, habituel dans les films asiatiques. Voilà pourquoi un ministre de la 11ème puissance mondiale disserte, dans son bureau, sur la caméra portée : "Je voulais donner une impression d’instabilité entre la réalité et le fantasme. Je voulais aussi casser l’"encadrement", car un cadre est quelque chose de complet. La caméra portée tremble, comme la frontière entre le monde parfait et l’instabilité."
Passer du "fixe" à la caméra portée, c’est ce qu’il a fait au ministère. Alors que l’interview aurait pu se terminer au bout de la demi-heure prévue, avec l’attaché de presse qui fait irruption dans le bureau montre en main, le ministre a discuté une heure et demie, sans être dérangé, comme s’il avait la journée devant lui, on imaginait les secrétaires affolées. Pendant ses autres moments "sans cravate", l’idée a t-elle germé de filmer sa liberté au sein d’un ministère ? Sa réponse est cinglante: "Je ne l’envisage pas du tout. Parce que ce serait une histoire que je déteste et que les spectateurs n’aimeraient pas". Il prépare un nouveau film au sujet encore secret. L’homme Lee Chang-dong a eu décidément du mal avec son costume : "Quand même, je me demande si je ne suis pas devenu trop philosophe, disait-il alors. J’essaie d’être le même homme. Mais les gens me regardent différemment et quand je parle, je ne peux pas être aussi franc qu’avant. De temps en temps je me sens déstabilisé. Est-ce que j’ai vraiment changé ?".

Trailer - Poetry (2010)

Trailer - Secret Sunshine (2007)

Poetry o l'elogio del vuoto

Il regista sudcoreano Lee Chang Dong presenta in Italia il suo pluripremiato film.

mercoledì 30 marzo 2011

di Ilaria Ravarino

Quando Lee Chang-Dong appare, nel giardino della Casa del Cinema di Roma, in pochi lo riconoscono. In vita sua ha girato solo 5 film, che sono bastati a imporlo come uno dei più grandi registi contemporanei, premiati alla Mostra di Venezia e a Cannes, dove nel 2009 è stato membro di giuria. È regista, ma in patria anche amatissimo scrittore e poeta, ed è stato persino Ministro, in Corea, nel 2003: è rimasto in carica solo un anno, troppo forte il richiamo della scrittura per trattenerlo nel grigio ufficio della Cultura e del Turismo. Nel verde di Villa Borghese Chang-Dong si confonde fra i turisti, qualcuno gli chiede di scattare una foto, lui scuote la testa, poi accetta e sorride. Con grazia tutta orientale si sottrae ai complimenti dei giornalisti che lo riconoscono, firma qualche autografo, e prima di cominciare a parlare del suo film, Poetry, in sala dal primo aprile, si scusa: "Mi dispiace avervi trattenuti tutto questo tempo e vi ringrazio per la pazienza di aver visto un film così lungo". Il pubblico dell’anteprima, che ha caldamente applaudito il film, risponde battendo ancora una volta le mani al maestro.

L’immagine che Poetry offre della Corea è quella di una società violenta, dominata dall’incomunicabilità. È davvero così?
No, anzi. Le violenze sessuali, per esempio, nel nostro paese non sono molto diffuse. E tuttavia fatti del genere possono accadere ovunque. Anche l’incomunicabilità fra generazioni, che è uno dei temi del film, non è tanto una caratteristica del popolo coreano quanto dell’umanità in generale. È difficile entrare nella testa dei più giovani, oggi c’è un abisso tra nonni e nipoti. Spesso, guardando mio figlio, mi sono fatto le stesse domande della protagonista del film: cosa starà pensando quel ragazzo? Chi è veramente, questa persona cui voglio tanto bene? E se nascondesse un mostro?

Perché ha scelto di girare un film sulla poesia?
Perché in questa nostra vita, in cui non facciamo altro che coprirci di parole, la poesia la stiamo lasciando morire. E allora mi è venuta voglia di raccontare l’insospettabile ruolo che la poesia può avere nelle nostre vite, e con essa la ricerca di una bellezza invisibile ai nostri occhi. Un tema difficile, lo so. Ho ricevuto molte critiche per la mia scelta di intitolare il film “Poesia”.

Perché ha scelto un finale aperto?
Lasciare le cose in sospeso mi piace. Mi piace lanciare allo spettatore una sfida, una sorta di “morality play”, un gioco di morale. Se trovi un portafogli per terra e te lo metti in tasca, la tua azione avrà una conseguenza. Se invece lo consegni a qualcuno, a un prete magari, l’azione avrà una conseguenza diversa. La nostra protagonista ha consegnato suo nipote alla polizia? Non lo ha fatto? Credo che questa domanda debba rimanere senza una risposta da parte mia: alle soluzioni io preferisco il vuoto. Forse, come accade in altri film, avrei potuto mostrare la sofferenza, il sacrificio della protagonista, per rendere più toccante la materia narrativa. E invece ho preferito rappresentare una sofferenza nascosta, che si intravede appena, di cui lascio l’interpretazione allo spettatore.

Se dovesse condensare in poche parole il senso del suo film?
Il film racconta di un’anziana che scrive poesie per la prima volta. Dapprima cerca la bellezzavisibile, poi capisce che la bellezza la si può trovare solo dopo aver vissuto l’orrore, la sofferenza, il lato oscuro delle cose.

Nel suo film le donne appaiono più responsabili degli uomini. Perché?
La mia protagonista, a differenza degli uomini che la circondano, ha una ferita interiore, un forte senso di colpa che la rende più sensibile. E poi in generale le donne sono più profonde degli uomini, in Occidente come in Oriente.

Perché la scrittura delle poesie si accompagna spesso a un senso di vergogna? Lei si è mai vergognato di qualcosa che ha scritto?
Scrivo poesie da quando ero un adolescente, prima che regista mi sento un poeta. Allora, come ora, mi domandavo se quello che scrivevo sarebbe mai riuscito a cambiare qualcosa nel mondo. Ho cominciato a scrivere all’inizio degli anni ’80, quando in Corea c’era il governo militare. La vita era molto difficile e piena di sacrifici, io scrivevo poesie e romanzi ma mi sentivo inutile. Per quanto facessi, non potevo cambiare quella brutta realtà che mi circondava. Di questo, sì, di questo mi vergognavo.

Poetry

Secret Sunshine

10 febbraio, "Tomboy" di Céline Sciamma

2011-11-21T08:30:00.001-08:00

Tomboy

di Céline Sciamma

Con Zoé Héran e MalonnLévana

Francia, 2011

Durata: 84’

Drammatico

Laure, 10 anni, è appenaarrivata in un nuovo quartiere di Parigi e per gioco decide dipresentarsi ai nuovi amici come se fosse un maschio, Mickaël:L'inizio della scuola però è dietro l'angolo e il gioco deitravestimenti si complica, tanto più che i genitori sono all'oscurodi tutto...

Visioni fluide, magnetiche,sempre in divenire…si ricomincia ancora dagli “elementi” nelcinema di Céline Sciamma. E all’acqua cuore pulsante delbellissimo esordio Naissance de Pieuvres si sostituisce l’ariain questo Tomboy, con la soggettiva aerea della piccola Laurecolta nel momento fatidico del viaggio. Nuova casa, nuovi amici,nuove scoperte, ma la regista francese continua a lavorare sui corpidei suoi giovani protagonisti: li insegue e li incastona nel lorofragile incedere emotivo; li avvicina e li rispetta nel loro delicatopudore adolescenziale; li avvolge e li denuda nel loro frastagliatopercorso di crescita. Ecco che un tema così straordinariamentecomplesso come la ricerca della propria identità sessuale, vieneletteralmente sciolto in quella spontaneità di movimento che solo ibambini sanno restituire: naturalmente Laure si presenta (a noi e)alla futura amica Louise come Mickaël. Tutto diventa naturale: cisono due ambienti e due ambiti sociali, la famiglia e il gruppo,Laure e Mickaël. Ma questi timidi universi in (dis)equilibrio noncozzeranno mai bruscamente, specchiandosi e (ri)conoscendosi per laprima volta davanti ai nostri occhi. La ricerca di un’identitàpassa sempre attraverso l’accettazione del proprio corpo e delproprio “essere” nel mondo, in una delle età più violentedell’esistenza: quella pre-adolescenza così tanto cinematograficae forse per questo tenuta spesso a margine dall’adulto cinema.

(Pietro Masciullo, daSentieri Selvaggi)

17 febbraio, "Terraferma" di Emanuele Crialese

2011-11-21T08:23:00.001-08:00

Terraferma

di Emanuele Crialese

Con Donatella Finocchiaro eFilippo Pucillo

Italia/Francia, 2011

Durata: 88’

Drammatico

In un'isola di pescatorialle prese con gli arrivi dei clandestini e la regola nuova delrespingimento, una famiglia decide di dare asilo a Sara, suo figlio ela bambina che sta per nascere. Una decisione difficile, che segneràla loro vita.

La Terraferma del titolo è il punto dicontatto tra l'altrove rappresentato da un manipolo di disperatiprovenienti dall'Etiopia via Tripoli, pescati in mare dalpeschereccio del vecchio Ernesto, e il presente non facile diGiulietta e Filippo, rispettivamente nuora e nipote del vecchiopescatore. (…) Crialese scrive tutto con precisioneampia e risonante, lasciando che lo spazio dei luoghi e il tempodelle figure si facciano carico di illustrare le dimensioni dellatragedia in atto, rifuggendo da ogni tentazione cronachistica epolitica, ma trattando la materia come argomento antico e, proprioper questo, urgentemente presente. Il dissidio che si anima nel cuoredel giovane Filippo è quello tra la volgarità di un oggi chemercifica luoghi e corpi e la necessaria nobiltà di un tempo eternocui appartiene l'Umanità, con le sue regole di solidarietà esopravvivenza. Terraferma è un film nobile e semplice, molto più immediato e meno simbolico nei segni e nella scansione narrativa diquanto fossero sia Respiro che Nuovomondo. In questa sua semplicità,ad ogni modo, il film sa trovare una cifra espressiva piena econcreta, fatta di realismo e idealità che prendono forma nelleimmagini e anche nella recitazione ricalcata e piena degliinterpreti: Donatella Finocchiaro è Giulietta, la madre che guardacon limpidezza e coraggio le prospettive che le si aprono davanti; difronte a lei c'è Sara, che è interpretata da Tinmit T., nonun'attrice, ma una vera profuga che ha vissuto veramente anniaddietro un'esperienza simile a quella del suo personaggio e che oravive, felicemente integrata nel nostro paese.

(Massimo Causo da Il Corriere delGiorno del 7/9/2011)

Importante, necessario,durissimo, tagliente eppure delicato Terraferma; come semprenel percorso del giovane regista che fin da Respiro oNuovomondo racconta di mare, di uomini e di mondi che siincontrano, con un tocco leggero che riesce ad affrontare la crudeltàdella vita, l’inconciliabilità delle posizioni, mettendo sempre afuoco in maniera lucida il suo punto di vista. (…) Chiamatela Lampedusa,Linosa o quel che vi pare, la terra di confine è luogo ideale diracconto per un regista che sa interpretare il viaggio, mentale,fisico, spirituale. ancora una volta chi arriva e chi è partito siscontrano, si osservano, si guardano, infine si capiscono. In mezzoc’è il mare, ci siamo tutti in mezzo al mare disegnato daCrialese, che questa volta solo per qualche attimo - delizioso - ciregala le sue immagini oniriche, ci fa viaggiare con la fantasiaancor prima che con gli occhi. Quando questo viaggio si interrompequel che vediamo non sarà sempre piacevole, con divise di ordinanzatroppo lontane dal senso vero della 'legge', troppo lontane dallalegge del mare e da quella della coscienza. Occhi di donne siincontrano sulle coste di un'Italia molto più vicina a quellaPrimavera Araba di quanto i giornali e la Tv riescano a raccontare.Ci prova un film coraggioso ed importante, una storia in cui si senteil rumore del mare e il battito di un cuore...

(Rocco Giurato, da35mm.it)

24 febbraio 2012, "Il villaggio di cartone" di Ermanno Olmi

2011-11-21T08:15:00.001-08:00

Il villaggio di cartone

di Ermanno Olmi

Con Rutger Hauer eAlessandro Haber

Italia, 2011

Durata: 87’

Drammatico

Una vecchia chiesa vienedismessa e il prete che per tanti anni vi ha officiato messa avvertel'insorgere di una percezione nuova che lo sostiene. Gli pare chesolo ora quei muri messi a nudo rivelino una sacralità che prima nonappariva, che rinnova la sua missione sacerdotale.

Olmi porta sullo schermol'apparente inutilità della Chiesa. Il suo svuotamento è visto comeineluttabile dal sacrestano pronto a tradire. Ma è proprio da questaspoliazione che il senso di ecclesia può tornare ad acquisire ilsignificato delle origini. A offrirglielo saranno quelli che vengonoconsiderati gli invasori e che agli occhi del mondo stanno occupandoun luogo che fu sacro ed ora non può più offrire asilo. Sarannoperò loro a ridare un valore al fonte battesimale pronto araccogliere la pioggia che scende dal tetto e, soprattutto, aconsentire al vecchio parroco di trovare un senso al Mistero. QuelMistero che fa sì che Dio si manifesti attraverso gli occhi diuomini e donne i cui sguardi, quando si incrociano, possono mutarne idestini.

L'uomo di Chiesa senza piùuna chiesa diviene più forte, più capace di interrogarsi fino ariuscire a comprendere che il Bene è più grande della Fede. È innome di questo Bene che può opporsi alla stupidità degli uomini dilegge, pronti ad obbedire a qualsiasi assurdità, ricordando loro cheverrà il giorno in cui saranno giudicati per quanto fanno a questiultimi privi di difesa. Una difesa che può venire solo da una pietasche muti nel profondo il corso di una Storia che, in caso contrario,provvederà autonomamente. Il cinema ha bisogno di autori come Olmiche sappiano mostrarci uno specchio in cui riflettere dubbi ecertezze per scalfire pregiudizi e non smettere di interrogarci.Bentornato Maestro!

(Giancarlo Zappoli, daMyMovies.it)

2 marzo 2012, "Il primo incarico" di Giorgia Cecere

2011-11-21T08:08:00.001-08:00

Il primo incarico

di Giorgia Cecere

Con Isabella Ragonese,Alberto Boll

Italia, 2011

Durata: 90’

Drammatico

1953. Una ragazza del SudItalia lascia il suo paese per raggiungere il luogo del suo primoincarico come maestra: una scuola sperduta su un altopiano, in unanatura ostile, con ragazzini selvatici e gente con cui non ha nientein comune.

Dopo anni trascorsi adapprendere i segreti del mestiere e a gestire parole e situazionidrammaturgiche, Giorgia Cecere esce finalmente dall'ombra protettivae rassicurante dei suoi padri professionali (Gianni Amelio e EdoardoWinspeare) per soddisfare un personale bisogno di cinema. Unanecessità che viene da lontano e che ha spinto una ragazzina vintadalla magia narrativa del mondo di celluloide ad affrontare la vita erintracciare il far west dei suoi sogni. Figlia di una tradizionecinematografica dove la leggerezza della forma si fondearmoniosamente alla profondità dei contenuti, la Cecere accetta, conuna certa gioiosa caparbietà, la sfida di mettere in scenaun'avventura di confine dove la polvere appesantisce i passi dei suoipersonaggi ma traccia anche un sentiero da seguire. Convinta chel'imprevisto possa nascondersi in ogni singola azione quotidiana,inserisce una vicenda strutturalmente piuttosto lineare all'internodella costante mutevolezza della natura aspettando l'alchimiadesiderata e sperata. Un risultato che non tarda a mostrarsi e a faredi una storia d'emancipazione femminile, in fondo già esplorata, unviaggio in solitaria verso la crescita personale e quella ben piùcomplessa di un'intera società. La voce della regista si alza pernarrare il percorso evolutivo della sua Nena senza alcuna velleitàsociologica o filosofica, ma con il rimbombo sommesso di un innod'amore alla complessa bellezza del genere femminile.

(Tiziana Morganti, daMovieplayer.it)

9 marzo 2012, OffiCinema: Omaggio a Michele Riondino

2011-11-21T07:43:00.001-08:00

OffiCinema

Omaggio aMichele Riondino

Michele Riondino

Fotografo eroinomane in Fortapàsc di Marco Risi, Michele Riondino ha trascinato l'amico Elio Germano in un torbido vortice di autodistruzione in Il passato è una terra straniera.

Talentuoso, carino e ricco di umiltà (dote assai rara nell'ambito dello spettacolo), l'attore proviene da un background teatrale di tutto rispetto.

Origini

Nasce a Taranto, nel quartiere di Paolo VI dove, stregato dagli studenti di L'attimo fuggente, fonda con i compagni "La setta dei poeti estinti" il cui primo progetto è quello di formare una band; impara, dunque, a suonare la chitarra ma il suo vero sogno è recitare.

Gavetta

Così, l'allora diciassettenne, decide di farsi guidare dal maestro Giorgio Pucciarello per tentare l'ingresso all'Accademia d'Arte Drammatica "Silvio D'Amico". Detto, fatto: stabilitosi a Roma, il giovanotto quando non è sui libri si trova sulla scena, per cimentarsi in opere quali "Aspettando Godot" di Beckett e "Edipo Re" di Eschilo.

Conseguito il diploma nel giugno 2000, questo ambizioso ragazzo diviene un assiduo frequentatore dei laboratori teatrali più svariati, come quello sul "mimo corporeo" con Michele Monetta o sulla "neo-avanguardia" con Franco Brambilla.

Nel frattempo, calca il palcoscenico con il Circo Bordeaux, compagnia da lui stesso fondata con il sodalizio di alcuni colleghi attori, in cui rappresenta testi scritti da Marco Andreoli.

Eccolo, ancora, in "Macbeth" di Shakespeare per la regia di Bellocchio, con Giuseppe Patroni Griffi in "Uno sguardo dal ponte" di Arthur Miller, nonché ne "La Pelle"di Marco Baliani.

È, inoltre, uno dei "Cani di bancata", nel dirompente spettacolo di Emma Dante.

Piccolo Schermo

Debutta nella serie Rai Casa famiglia, al fianco di Massimo Dapporto. Successivamente, segue le lezioni di Massimo Lopez in Compagni di scuola ed interpreta Enrico in Incantesimo.

In seguito, entrato nelle grazie di Mediaset, si cala nel ruolo di Daniele, il fidanzato di Sabina, sorellina del Commissario Claudia Pandolfi nella fiction Distretto di Polizia.

Sempre per Canale 5, Michele gira la miniserie La freccia nera. Diventa poi il conduttore di "Giga", programma per adolescenti trasmesso dal canale satellitare RAI SAT RAGAZZI. Veste infine i panni del Giovane Montalbano nella fiction diretta da Gianluca Maria Tavarelli che racconta l'eroe di Camilleri a trent'anni dagli inizi della carriera (in onda nel 2012).

Alla conquista del Cinema

Approda su celluloide nel 2004, in Uomini & donne, amori & bugie, pellicola che ha fruttato ad Eleonora Giorgi la candidatura come Migliore Regista Esordiente ai Nastri D'Argento.

Nel 2008, si trasforma nel bello e dannato co-protagonista de Il passato è una terra straniera di Daniele Vicari, pronto a tentare con le sue bische clandestine l'ingenuo Elio Germano.

Dodici mesi dopoè impegnato nelle riprese della commedia sentimentale Dieci Inverni di Valerio Mieli. (da MyMovies.it) Nel 2009 interpreta Marpiccolo di Alessandro Di Robilant e Noi credevamo di Mario Martone. Nel 2010 è in Henry di Alessandro Piva e poi in Gli sfiorati di Matteo Rovere (2011) e Acciaio di Stefano Mordini (2012).

FILMOGRAFIA

Gabriele (2000)

Uomini e donne, verità e bugie (2002,cort.)

Medicina (2002, cort.)

Vite a confronto (2003, cort.)

Il passato è una terra straniera, diDaniele Vicari (2009)

Principessa di Giorgio Arcelli Fontana(2009)

Marpiccolo di Alessandro di Robilant(2009)

Fortapàsc di Marco Risi (2009)

Dieci inverni di Valerio Mieli (2009)

Noi credevamo di Mario Martone (2010)

Henry di Alessandro Piva (2011)

Gli sfiorati di Matteo Rovere (2011)

Qualche nuvola di Saverio Di Biagio(2011)

Acciaio di Stefano Mordini (inpreparazione)

Morta di soap di Antonietta De Lillo(in preparazione)

Dieci inverni, di Valerio Mieli

Interviste a Michele Riondino

Dieci Inverni

Dieci Inverni

Il passato è una terra straniera

23 marzo 2012, "Drive" di Nicolas Winding Refn

2011-11-21T07:28:00.001-08:00

Drive

di Nicolas Winding Refn

Con Ryan Gosling e CareyMulligan

Usa, 2011

Durata: 104’

Drammatico

Un autista di Los Angelesdi giorno lavora come stuntman per il cinema, mentre di notte guidale auto nel corso delle rapine. E' un tipo solitario, ma si innamoradella sua vicina, che dopo il ritorno del marito dal carcere, siritrova invischiata in un pericoloso giro criminale.

La tensione per un qualcosache ribolle sotto la superficie è in definitiva l'autentica sostanzanascosta del film, che riesce a sfruttare uno stile sinuoso, conmovimenti di macchina morbidi e personaggi che sembrano scivolare fraspazi di volta in volta dilatati pur nella minima distanza che liseparano (i due appartamenti adiacenti): tutto questo rende pertantopleonastico il ricorso alla “figura retorica” dell'inseguimentoautomobilistico, qui negato e spesso “congelato”, quando nonridotto a pochi momenti dove comunque non viene trasmessal'impressione della velocità, ma al contrario tutto si riduce non acaso a un mascheramento con gli elementi architettonici e gliinterstizi offerti dalla città, in una continua frammentazionedell'azione. (…) Il risultato di questa forza espressiva che Refngoverna con incredibile attenzione è quello di un film ossessivoeppure poroso, fondato sulla figura retorica dell'ossimoro, ma capacedi mantenere una latente tensione per l'intera sua durata, e dipermettere al citazionismo da sempre presente nell'opera dell'autoredanese di esprimersi con più forza che in passato. Il tutto con unformidabile lavoro sui volti e l'approdo ad una violenzaparossistica, ma stavolta più stilizzata che reale.

(Davide Di Giorgio, da Ilnido di Rodan)

30 marzo 2012, "Il truffacuori" di Pascal Chaumeil

2011-11-21T07:17:00.001-08:00

Il truffacuori

di Pascal Chaumeil

(L'arnacoeur)

Con Romain Duris e Vanessa Paradis

Francia, 2010

Durata: 105’

Commedia

Alex fa in modo - apagamento - che le donne riescano a sbarazzarsi di un fidanzatoviolento o di un cattivo marito. Ma un giorno trova davanti a se unosso duro: un ricco signore gli affida infatti l'incarico di impedirele nozze di sua figlia, decisa a sposarsi a ogni costo...

I francesi hanno sviluppato unsottogenere cinematografico che ha le sue punte di diamante in alcunifilm di Philippe de Broca come L’uomo di Rio o Come sidistrugge la reputazione del più grande agente segreto del mondo,entrambi interpretati da Jean-Paul Belmondo. Si tratta di filmd’azione all’americana che però conservano un senso dello humoure un cotè romantico molto francesi. Quando non funzionano sonostupidi e puerili. Quando funzionano, come è il caso de Iltruffacuori, sono una delizia, in barba a sceneggiatureimprobabili e a personaggi al limite della credibilità. Ciò cheprocede agilmente in questo film sono la velocità della narrazione,che avvicina il film più alla farsa che all’action moviemantenendo un registro surreale alternato a quello romanticamenteesagerato che solo un film francese può permettersi, e la presenzacarismatica di Romain Duris, uno dei migliori attori d’oltralpe (loricordiamo in Tutti i battiti del mio cuore di Audiard), chequi rivela una vena comica e una notevole capacità di mettere ilproprio fisico mingherlino al servizio della storia: un Belmondo peri nostri tempi, svelto e buffo, e attraente nelle sue contraddizioni.

(Paola Casella, daEuropa, 12/2/11)

13 aprile 2012, OffiCinema: Omaggio a Ben Stiller

2011-11-21T06:43:00.001-08:00

OffiCinema

Omaggio a Ben Stiller

Ben Stiller

Invisibile non lo è di certo. Troppo chiassoso per esserlo! Figlio d'arte, i suoi genitori sono gli attori Jerry Stiller e Anne Meara, fratello dell'attrice Amy Stiller, Ben esordisce a soli dieci anni nella serie tv Kate McShane, poi decide di studiare all'UCLA, la celebre università di cinema di Los Angeles. Per lungo tempo fidanzato con l'attrice Jeanne Tripplehorn, dato l'ambiente dal quale proviene, cresce e diventa amico di attori come Owen Wilson, Jack Black, Kyle Gass e Janeane Garofalo, senza dimenticare Vince Vaughn con il quale formerà, a partire dal 2004, quella che i media chiamano la "Frat Pack", una fratellanza di attori di cui fanno parte anche Will Ferrell, Steve Carell e Luke Wilson, e che si dedicherà al cinema comico statunitense.

Il debutto al cinema

Il suo debutto sul grande schermo avviene con la pellicola di Steven Lisberger Su e giù per i Carabi (1987), dove recita accanto a suo padre. Il finire degli anni ottanta sono un periodo fortunato per questo giovane attore che, in brevissimo tempo appare ne L'impero del sole di Spielberg, alla televisione con la commedia The House of the Blue Leaves e diventa una star di primo piano dell'immancabile Saturday Night Live (lo show comico più celebre degli Usa dal quale sono stati sfornati i comici cinematografici americani dal 1970 a oggi). Idolo dei teenagers statunitesi arriva ad avere uno show tutto suo su Mtv: The Ben Stiller Show (1990).

Nella sua filmografia di debutto sono da segnalare: Pazzie di gioventù (1988) di David Anspaugh, con Molly Ringwald e Viggo Mortensen; Vendetta trasversale (1989) di John Irvin, poliziesco ambientato a Chicago con Patrick Swayze, Liam Neeson, Helen Hunt e Adam Baldwin; Stella (1990) di John Erman, remake con Bette Midler del melodramma Amore sublime di Vidor; e infine il film di fantasia Autostrada per l'inferno (1992) di Ate de Jong. Comincerà a muovere anche i primi passi come regista dirigendo il corto Elvis Stories (1989), passando al lungometraggio solo nel 1993 con la commedia generazionale Giovani, carini e disoccupati (1993) con Winona Ryder e Ethan Hawke, cui seguirà la più nera Il rompiscatole (1996), il fantomatico Zoolander (2001).

Indiscusso protagonista della commedia brillante

Diventato un volto della commedia brillante, Stiller appare in Amori e disastri (1996), anche se il suo vero vertiginoso successo arriva con Tutti pazzi per Mary (1998) dei fratelli Farrelly, pellicola campione d'incassi in tutto il mondo e che è entrata di diritto nella storia del cinema come una delle opere più spassose e politicamente incorrette della settima arte. Supereroe e supermezzatacca nel demenziale Mystery Men (1999), viene diretto da Edward Norton nella commedia Tentazioni d'amore (2000), nella parte di un rabbino.

Sposato all'attrice Christine Taylor, ha da questa due figli: Ella Olivia e Quinlin Dempsey. È decisamente il suo periodo d'oro, soprattutto grazie all'umoristico testa a testa con Robert De Niro che investe le pellicole: Ti presento i miei (2000) e Mi presenti i tuoi? (2004), entrambe di Jay Roach. Per non parlare dell'assoluta anormalità de I Tenenbaum (2001) di Wes Anderson. Volto plastico non poteva non essere scelto da Danny DeVito per affiancare Drew Barrymore in Duplex – Un appartamento per tre (2003) e Rachel Weisz ne L'invidia del mio migliore amico (2004). Migliore amico di Owen Wilson, sottolineano la loro amicizia persino sul set di Starsky & Hutch (2004). Poi, voce di Alex in Madagascar, fu considerato per il ruolo di Willy Wonka nel remake di Tim Burton.

I lavori più recenti

Gli ultimi anni sono per Stiller pieni di impegni e di successi. Nel 2006 è protagonista di Una notte al museo di Shawn Levy (seguito poi da un sequel, Una notte al museo 2 - La fuga, 2009, diretto dallo stesso regista) mentre l'anno successivo veste i panni de Lo spaccacuori (2007). Tra il 2008 e il 2010 lo troviamo in altre tre commedie brillanti: Tropic Thunder (di cui è anche regista), lo sfortunato Un microfono per due di Todd Louiso e Lo stravagante mondo di Greenberg. Sempre nel 2010 è protagonista del terzo capitolo della saga dei Fotter: Vi presento i nostri. Stiller ha in cantiere numerosissimi progetti, a partire da The Hardy Men, ancora una volta diretto dal fedele Shawn Levy.

(da MyMovies.it)

FILMOGRAFIA

ATTORE:

(2012) Madagascar 3: Ricercati inEuropa - Il leone (voce)

(2011) Tower Heist: colpo ad altolivello - Josh Kovacs

(2011) Lo stravagante mondo di Greenberg - Roger Greenberg

(2010) Vi presento i Nostri - GregFocker

(2009) Merry Madagascar (film tv) -Alex (voce)

(2009) Un microfono per due - JonGribble

(2009) Una notte al museo 2: la fuga -Larry

(2008) Tropic Thunder - Speedman

(2008) Madagascar 2 - Il leone (voce)

(2007) Lo spaccacuori - Eddie Cantrow

(2006) Scuola per canaglie - Lonnie

(2006) Una notte al museo - Larry

(2006) Tenacious D e il destino delrock - Uomo del deposito delle chitarre

(2005) Madagascar - Il leone (voce)

(2004) Mi presenti i tuoi? - Gaylord'Greg' M. Fotter

(2004) Sledge: the story of FrankSledge - (non accreditato)

(2004) Anchorman - (non accreditato)

(2004) Dodgeball - White Goodman

(2004) Envy - Tim Dingman

(2004) Starsky & Hutch - DaveStarsky

(2004) ...e alla fine arriva Polly -Reuben Feffer

(2003) Nobody Knows Anything -

(2003) Duplex - Alex Rose

(2002) Orange County - comparsa

(2001) I Tenenbaum - Chas Tenenbaum

(2001) Zoolander - Derek Zoolander

(2000) Nobody knows anything

(2000) Ti presento i miei - Gaylord'Greg' M. Fotter

(2000) Tentazioni d'amore - Rabbi Jacob"Jake" Schram

(2000) The independent - Poliziotto

(1999) The suburbans - Jay Rose

(1999) Black and white - Mark Clear

(1999) Mystery Men - Mr. Furious (Roy)

(1998) Permanent midnight - Jerry Stahl

(1998) Amici & vicini - Jerry

(1998) Tutti pazzi per Mary - TedStroehmann

(1998) Zero effect - Steve Arlo

(1996) Il rompiscatole - Sam Sweet/StanSweet

(1996) Amori e disastri - Mel Coplin

(1996) Appuntamento col ponte - BwickElias

(1996) Un tipo imprevedibile -inserviente

(1995) Pesi massimi - Tony Perkis/TonyPerkis Sr

(1994) Giovani, carini e disoccupati -Michael Grates

(1992) Highway to Hell

(1990) Stella - Jim Uptegrove

(1990) Spazzatura business - FreddyNovak

(1989) Elvis stories - Bruce

(1989) Vendetta trasversale - Lawrence

(1988) Pazzie di gioventù - Tipton

(1987) L'impero del sole - Dainty

(1987) Su e giù per i Caraibi - ChrisHoneywell

(1987) The house of blue leaves (filmtv) - Ronnie Shaughnessy

REGISTA:

(2009) The Station (Film TV)

(2008) Tropic Thunder

(2004) What Makes Sammy Run

(2001) Zoolander

(1999) Heat vision and Jack (Film TV)

(1996) Il rompiscatole

(1994) Giovani, carini e disoccupati

(1992) The Ben Stiller show (Serie TV)

(1990) The Ben Stiller show (Serie TV)

(1989) Elvis Stories

SCENEGGIATORE:

(2008) Tropic Thunder

(2004) What Makes Sammy Run

(2001) Zoolander

(1992) The Ben Stiller show (Serie TV)

(1990) The Ben Stiller show (Serie TV)

(1989) Elvis Stories

PRODUTTORE:

(2009) The Station (Film TV)

(2008) Tropic Thunder

(2004) What Makes Sammy Run

(2004) Dodgeball

(2004) Starsky & Hutch - produttoreesecutivo

(2003) Duplex

(2001) Zoolander

(1999) Heat vision and Jack (Film TV) -produttore esecutivo

(1992) The Ben Stiller show

(1988) The Hustler of Money (Film TV)

Intervista a Ben Stiller su
Lo stravagante mondo di Greenberg

L'ultima creatura cinematografica diBen Stiller si chiama Roger, ha quarant'anni e nel film di NoahBaumbach, “Greenberg”, è pronto a rivoluzionare la propria vitatrasferendosi da New York a Los Angeles. In concorso al Festival diBerlino così il comico americano racconta il suo personaggio inquesta commedia dolceamara.

Come nasce questo ritorno a un film più'piccolo'?

Fondamentalmente dall'opportunità dilavorare con Noah e dall’idea che potesse essere un film 'diverso'.Sono stato contento di farlo, per i personaggi che ha portato sulloschermo e perché è stato bello poter essere nel suo mondo.

E poi ho scelto questo film anche pergli attori con i quali avrei lavorato: Rhys Ifans, Jennifer JasonLeigh, Greta Gerwig...

Come hai costruito il rapporto conGreta/Florence?

Flo e Roger sono due personaggiparticolari, veri … Sono gli elementi di una storia che ho amato eche considero realizzata a partire da un'ottima capacità diosservazione. Sono persone che avanzano nella loro vita cercandocostantemente ciò che vogliono e cercando di imparare come aprirsi.Il modo nel quale interagiscono e si influenzano ha fatto sì che ilfilm non apparisse irreale, ma anzi molto credibile.

Con Greta, più che con gli altri, hopotuto passare molto tempo, abbiano fatto più prove, ci siamoconosciuti meglio, abbiamo creato un rapporto come se ci conoscessimoda anni..

E come hai lavorato al tuo personaggio?

Ho perso peso, ho fatto crescere icapelli, ho cercato di essere diverso, ma soprattutto di avere undiverso 'feeling'. Il fatto che Greta fosse perfetta per il ruolo hapermesso che lei ispirasse me, il suo essere protettiva mi ha fattosentire in empatia con il personaggio.

Come sullo schermo anche ci si aspettasempre che tu faccia ridere nella tua vita privata? Ti pesa questacosa?

Non sono bravo a far ridere, nonricordo mai uno scherzo o una barzelletta. Cerco di esseredivertente, ma rimanendo me stesso ed è con questo che la gente chemi conosce deve relazionarsi…

Quando diventerai adulto?

Ho due bambini, e loro ti portanoinevitabilmente ad assumerti delle responsabilità. In questo sensonon capisco il modo di essere di Roger; credo che una cosa sana dafare sia capire che stagione stai vivendo ed essere connesso con latua età, con la tua vita…

E cosa c'è della tua vita in questopersonaggio?

Sulla carta, intesa come sceneggiatura,non c'erano connessioni particolari, ma il conoscere un paio dipersone come lui mi ha aiutato ad entrarci in contatto.

Mattia Pasquini

(www.35mm.it)

Lo stravagante mondo di Greenberg:

20 aprile 2012, "Pina" di Wim Wenders

2011-11-21T06:28:00.001-08:00

Pina

(id.)

di Wim Wenders

Con Pina Bausch

Francia/Germania/GB, 2011

Durata: 106’

Documentario

Wim Wenders, amico eammiratore della coreografa Pina Bausch, pensava da molti anni a unfilm su di lei. Con la morte della donna sembrava che il progettodovesse arenarsi, ma Wenders ha deciso di andare avanti per rendereomaggio al suo straordinario e innovativo teatro-danza.

“CafèMüller”, “Kontakthof”, “Vollmond” e soprattutto quelcapolavoro assoluto che è la versione di Pina de “Le Sacre duPrintemps” sono le coreografie scelte per Pina,intervallate da a solo dei danzatori del Tanztheater Wuppertal chereinterpretano gli insegnamenti e i movimenti di Pina, rendendoleomaggio, dimostrando allo spettatore – anche a quello più digiunodi questa arte del movimento – come uno stesso gesto possa assumeredifferenti valenze e significati a seconda di chi lo esegue e lointerpreta.

Wenders porta la danzafuori. Fuori dal teatro della compagnia stabile, fuori dagli studi diprova, le restituisce quel palcoscenico naturale che è la vita,lascia che i danzatori si muovano in cima a una collina, sotto lamonorotaia di Wuppertal, sul treno, in una piscina… Il movimento siriappropria dello spazio che gli appartiene, in una sensazionetattile, in una regia assoluta e partecipativa che fa sentire lospettatore parte di un tutto che si respira, si tocca, si esperisce.Proprio come voleva Pina.

Perché sopra ogni elemento di questofilm c’è lei, non solo quando danza in completa solitudine sullosfondo di “Cafè Müller”, ma in “Ogni gesto, ogni passo, ognisingolo movimento”. La rivoluzionaria dallo sguardo più dolce epiù penetrante dell’ultimo millennio vive ancora. Finché sidanzerà, nulla sarà perduto.

(Federica Aliano, daFilm.it)

guarda il trailer

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Stagione 2011/2012: quasi ci siamo...

2011-11-12T02:11:00.000-08:00

Cari Amici,
il prossimo 16 dicembre prenderà il via la consueta Stagione Cinematografica del Cinecircolo Casalini, un appuntamento che i cinefili tarantini attendono con affetto da oltre quarant’anni per ritrovarsi in amicizia nel segno del cinema.
Molto presto vi comunicheremo il Programma 2011/2012.
Tornate a trovarci nei prossimi giorni.
Vi aspettiamo.

La Stagione Cinematografica 2010/2011

2010-11-22T06:22:00.000-08:00

10 dicembre

Ricky – Una storia d’amore e libertà

di Francois Ozon

con Alexandra Lamy e Sergi López

17 dicembre

Christine Cristina

di Stefania Sandrelli

con Amanda Sandrelli e Alessio Boni

14 gennaio

Happy Family

di Gabriele Salvatores

con Fabio De Luigi, Diego Abatantuono e Margherita Buy

21 gennaio

Bright Star

di Jane Campion

con Paul Schneider, Thomas Sangster e Abbie Cornish

4 febbraio

L’uomo che verrà

di Giorgio Diritti

con Maya Sansa e Alba Rohrwacher

18 febbraio

OFFICINEMA

Avanti ancora Maestro Clint Eastwood

25 febbraio

La nostra vita

di Daniele Lucchetti

con Elio Germano, Raoul Bova e Isabella Ragonese

11 marzo

L’uomo nell’ombra

di Roman Polanski

con Ewan McGregor e Pierce Brosnan

18 marzo

OFFICINEMA

Omaggio a Silvio Soldini

25 marzo

Gli amori folli

di Alain Resnais

con André Dussollier e Sabine Azéma

1 aprile

OFFICINEMA

Avanti ancora Diva Meryl Streep

8 aprile

La passione

di Carlo Mazzacurati

con Silvio Orlando, Giuseppe Battiston e Cristiana Capotondi

15 aprile

Passione – Un’avventura musicale

di John Turturro

con Avion Travel, Massimo Ranieri e Lina Sastri

Ecco dunque il Programma del Cinecircolo Casalini per la Stagione Cinematografica 2010/2011. Sono 13 gli appuntamenti in cartellone, dal 10 dicembre al 15 aprile: una selezione di film italiani, europei e americani che hanno lasciato il segno in sala e nei grandi festival internazionali.

10 dicembre
Ricky – Una storia d’amore e libertà
di Francois Ozon
con Alexandra Lamy e Sergi López

Katie e Paco hanno un figlio, Ricky, che però nasce con due piccole ali sulla schiena. La vicenda finisce in pasto ai media e Katie dovrà compiere un vero e proprio atto d’amore per donare la libertà al piccolo.

Ricky di François Ozon inizia e si sviluppa come un film da banlieue, ma le ali disegnate sul manifesto indicano che a un certo punto ci farà volare via dal chiuso di un destino segnato, da una vita disegnata come una prigione. Quel neonato che inizia a crescere e ad occupare lo spazio della piccola casa potrebbe anche non avere le ali e occuperebbe ugualmente tutta l'attenzione, potrebbe anche non volare e arriverebbe in un lampo dove non dovrebbe essere. Potrebbe essere un Peter Pan pronto a volare fuori dalla finestra per non fare mai più ritorno, un amorino che lancia strali d'amore. Ozon accompagna la crescita delle ali allo sviluppo della vita di coppia, ora drammaticamente di incomprensione (anche l'uomo appare nella sua versione di essere alieno e un po' mostruoso), ora di riappacificazione, li collega non casualmente alla invadente presenza televisiva con i reporter tv che infine scoprono lo scoop del giorno. Insomma tiene gli spettatori appesi a un filo, prima ben controllabili in interni, poi li fa volteggiare all'aria aperta e infine li libera in volo. In sottofondo si sente una vocazione da operetta morale: dal mistero della maternità che lancia gli ormoni in orbita anche nello spazio mentale, a quello dell'arrivo del nuovo personaggio sconosciuto un po' mostro e un po' angelo, capace di catturare le solitudini e trasformarle e mantenerle ben serrate in un unicum chiamato «famiglia» a cui occorre sempre uno spiraglio di fantasia.

(Silvana Silvestri - da Il Manifesto, 9/10/2009)

17 dicembre
Christine Cristina
di Stefania Sandrelli
con Amanda Sandrelli e Alessio Boni
La vita di Christine de Pizan, italiana cresciuta alla corte di Carlo V di Francia fra stimoli culturali di ogni sorta e poi abbandonata al suo destino assieme ai figli Marie e Jean dopo la morte del Re Saggio.

Esordire come regista portandosi appresso l'aura di attrice simbolo del cinema italiano e il pesante fardello di quasi mezzo secolo della sua storia, è impresa ardua. E lo è ancor più cercare di riportare sul grande schermo un genere e un periodo storico poco in sintonia con i gusti del pubblico italiano e con i budget concessi al suo cinema: la biografia storica e il Medioevo. Di poco precedente ad un'eroina ben più conosciuta tanto agli storici quanto agli storici del cinema, Giovanna d'Arco, Christine de Pizan è in realtà un perfetto soggetto cinematografico, incarnazione di un protofemminismo che lotta per i propri figli e per un'arte sincera, popolare e, per questo, rivoluzionaria. L'idea vincente della Sandrelli e dei suoi sceneggiatori (coordinati da Furio Scarpelli, che di acuti sguardi sul contemporaneo se ne intende) è quella di farne una figura emblematica dello stato dell'arte e in particolare della contrapposizione fra arte sociale e arte di stato. La sua Christine è non a caso anche Cristina, donna che rivendica in tutto la sua condizione: il suo essere donna, madre, artista e italiana.

(Edoardo Becattini, da MyMovies.it)

14 gennaio
Happy Family
di Gabriele Salvatores
con Fabio De Luigi, Diego Abatantuono e Margherita Buy

Due famiglie incrociano i loro destini a causa dei figli quindicenni caparbiamente decisi a sposarsi. Un banale incidente stradale catapulta il protagonista-narratore, Ezio, al centro di questo microcosmo

Il coraggio non manca a Gabriele Salvatores: non tanto perché pennella di romanticismo certi slanci del cuore di solito snobbati dal cinema firmato o perché cattura preziose atmosfere in filigrana all'identikit di una metropoli ansiogena e affannata; quanto perché abbandona le comode autostrade della produzione nazionale e imbocca con viva curiosità e pari convinzione i sentieri capricciosi di un gusto indipendente e internazionale. Happy Family è una commedia nutrita di simpatica follia, una ballata che gira volutamente su se stessa, un poemetto più umoralmente perplesso che sociologicamente corretto sui meccanismi che tengono in piedi le cosiddette famiglie allargate. Un exploit reso cospicuo anche dal fatto che quando gli autori decidono di fare parlare in macchina i propri personaggi, facendoli rivolgere direttamente al pubblico «smascherando» la finzione, ne risultano quasi sempre film per noi indigeribili, pedanti e mosci. E invece - piccolo miracolo - tutto si potrà dire di Happy Family, tranne che si tratti di un film noioso o pretenzioso. Gli episodi in sé non sono tutti dello stesso livello, ma ciò che conta è l'umorismo aggraziato - ci sono persino i siparietti che dividono i capitoli, come nei vecchi film di Totò - col quale Salvatores confonde le etichette dei destini individuali, suggerisce a tutti noi esorcismi non fideistici bensì omeopatici e riesce a costringere la poesia a specchiarsi nei momenti giudicati più inadatti dal copione che qualcuno ci ha assegnato.

(Valerio Caprara – Da Il Mattino, 26/3/10)

21gennaio
Bright Star
di Jane Campion
con Paul Schneider, Thomas Sangster e Abbie Cornish

1818. John Keats e la sua vicina di casa Fanny Brawne si conoscono, si frequentano, si scrivono, si fidanzano, nonostante le condizioni economiche disperate del poeta. Minato dalla tubercolosi, Keats si vede costretto a partire per l'Italia, dove troverà la morte.

L’inizio è semplice e disteso, l’attenzione rivolta ai dettagli, all’atmosfera, ai particolari dei personaggi colti nel bel mezzo delle loro vite e abitudini quotidiane. La casa, le stanze, i colori, le voci dei bambini e dei personaggi che risuonano, ma molto più spesso affiorano sussurrate, tra esterni e interni intrisi di garbata eleganza. Ma la leggerezza è solo apparente, anzi, è la forma con cui Jane Campion sa porgere alla nostra attenzione una storia tanto intensa e forte. Non un romanzo ottocentesco che si perde nei circoli viziosi e ingombranti della narrazione, ma un racconto fiammeggiante, di desiderio e di silenzio. La poesia nella sua forma più pura, fatta di sguardi e di stupore, che nasce dai pensieri e si allarga a travolgere ogni cosa. È poesia il gesto che si ripete, e sono poesia le parole lasciate scorrere sottovoce, e quelle non dette e non scritte, che stanno in profonditá ma spingono il ritmo e il tono di questo film verso una rarefazione che è taglio e ferita. In the Cut, appunto, perchè il sangue che scorre quasi non si vede, perchè le parole sono sempre più ossessione da ascoltare e da scrivere, come fossero essi stessi corpi debordanti di fisicitá e urgenza che, alla fine, divorano il silenzio e si spengono nel pianto. Tutto passa attraverso lo sguardo di Fanny, il tremore, la paura, l’emozione a loro volta vissuti attraverso la poesia di Keats. Un sottile gioco di rimandi, una corsa a perdifiato fino a non avere più fiato. Ancora una volta, nel cinema di Campion, volare e precipitare seguono gli stessi meccanismi.

(Grazia Paganelli, da Sentieri Selvaggi, 11/6/10)

4 febbraio
L’uomo che verrà
di Giorgio Diritti
con Maya Sansa e Alba Rohrwacher

Alle pendici di Monte Sole, sui colli appenninici vicini a Bologna, la comunità agraria locale vede i propri territori occupati dalle truppe naziste e molti giovani decidono di organizzarsi in una brigata partigiana.

In mani meno abili poteva diventare retorico. In quelle di Diritti e dei suoi eccellenti interpreti, scelti mescolando non professionisti ad attori veri come Alba Rohrwacher, Maya Sansa o Claudio Casadio, diventa un esercizio di straniamento poetico che ripaga lo spettatore con un'emozione e una comprensione delle cose straordinarie. Una madre incinta (Sansa); una zia che torna dalla città, l'unica che sa leggere e scrivere (Rohrwacher); una bambina che non parla più per un trauma (la commovente Greta Zuccheri Montanari) ma vede e capisce tutto di tedeschi, ribelli e alleati, tanto da scrivere un tema così compromettente che la maestra glielo brucia. Poi i racconti la sera, tutti insieme, adulti e bambini, si parli di emigrazione o del partigiano che ha ucciso un fascista. In dialetto naturalmente, una lingua sonora e pietrosa oggi quasi estinta che dà peso e rilievo a ogni parola. Così fra il dicembre '43 e il settembre '44 prende vita un microcosmo pulsante di affetti, dubbi, speranze, paure, che prima di esser spazzati via dall'eccidio, messo in scena con aspro pudore e dettagli rivelatori (quel prete che si unisce ai balletti nazisti per evitare che la festa degeneri in orgia, e finisce ucciso), acquistano un'innocenza, una densità, una verità, scomparse nel cinema d'oggi. Un capolavoro, limpido e accessibile, di cui essere orgogliosi. Chiedendosi anche perché ci siano voluti tanti anni per avere un film così libero e rigoroso sul tema.

(Fabio Ferzetti - da Il Messaggero, 22/1/10)

18 febbraio
OFFICINEMA
Avanti ancora Maestro Clint Eastwood

25 febbraio
La nostra vita
di Daniele Lucchetti
con Elio Germano, Raoul Bova e Isabella Ragonese

Claudio è un giovane operaio trentenne, padre di due figli e in attesa del terzo, la cui esistenza felice viene sconvolta dalla morte della moglie Elena.

Ancora famiglie per Daniele Luchetti. Secondo una voga, del resto, ormai abbastanza diffusa nel cinema italiano. Questa volta, però, a differenza di Mio fratello è figlio unico che si riferiva al passato, o comunque agli anni roventi del dopo ‘68, con uno sguardo decisamente rivolto al presente, anzi all’attualità di questi nostri armi così contraddittori e turbati. Luchetti il testo se l’è scritto con Rulli e Petraglia e, pur dando spazi, con tutta l’attenzione possibile, a quel radicale mutamento di intenzioni e di gesti del protagonista, gli ha costruito attorno, con accenti colorati e felici, una galleria di personaggi solo in apparenza secondari, ma capace ciascuno di dare il suo contributo al procedere dell’azione. Con pagine in cui poi la regia, quasi sempre guidata dalla macchina a mano, ha mostrato di saper alternare i ritmi più affannati e spesso anche angoscianti a pause di intensa emozione. Come la scena muta e distante in cui Claudio apprende la morte della moglie o quella, concisa ma intensa, che lo induce a svelare a un giovane sempre pronto a fidarsi di lui il suo colpevole silenzio su un incidente nel cantiere che aveva provocato la morte di suo padre. Qualche scompenso narrativo e una certa insistenza in situazioni solo marginali sono comunque riscattati da una interpretazione sempre salda e felice a cominciare da quella di Elio Germano, un protagonista di una gestualità e di una mimica mobilissime e prodighe di espressioni anche forti.

(Gian Luigi Rondi – da Il Tempo, 20/5/10)

11 marzo
L’uomo nell’ombra
di Roman Polanski
con Ewan McGregor e Pierce Brosnan

Uno scrittore viene assunto per rimpiazzare un collega morto mentre stava scrivendo la biografia del Primo Ministro inglese Adam Lang. Questi è al centro di polemiche per aver permesso alla Cia di agire in territorio britannico, catturando sospetti terroristi e sottoponendoli a tortura.

La realtà come ordito paranoico neanche troppo immaginario, il personaggio come catalizzatore di angosce collettive che si materializzano nella quotidianità, la messa in scena come sistema di rappresentazione atto a elaborare la metafora del vivere... Non c'è dubbio che L'uomo nell'ombra è un film di Roman Polanski, ne porta tutti i segni e soprattutto l'insistente retrogusto al fiele che ne avvelena con amara ironia ogni passo. Rivisto dopo il passaggio all'impronta della Berlinale, il film conferma e rafforza l'idea di un'opera nata dallo spirito più pieno del regista polacco, elaborata sul rapporto tra il detto e il non detto dei protagonisti, nel senso oscuro di un passato che definisce nell'ombra la faccia dei personaggi illuminata nel presente. Hitchcockiano, certo, L'uomo nell'ombra ha le stimmate del maestro del brivido sia tematicamente (nel proiettare il protagonista in un universo “altro”) sia espressivamente (basti guardare la meravigliosa sequenza del prefinale, col passamano del biglietto rivelatore seguito con esemplare pregnanza dalla macchina da presa) e anche in questo si conforma al romanzo di Robert Harris dal quale è tratto. Polanski mantiene alta la tensione con uno stile tagliente, sezionando ogni passaggio con inquadrature nette e essenziali. Thriller psicologico classico in piena forma, insomma, anche se poi l'autore si ingegna a stare dietro alla detection adottando una sorta di cinico disincanto nel quale lascia rifluire tanto la tensione quanto il valore stesso del mistero, destinato a volare via nel postfinale che gli spettatori affrettati rischiano di farsi sfuggire.

(Massimo Causo – da Il Corriere del Giorno)

18 marzo
OFFICINEMA
Omaggio a Silvio Soldini

25 marzo
Gli amori folli
di Alain Resnais
con André Dussollier e Sabine Azéma

Marguerite esce da un negozio di scarpe e subisce il furto della borsa. Georges trova il suo portafoglio per terra, nel parcheggio di un centro commerciale e comincia a fantasticare su di lei, ancora prima di contattarla, senza conoscerla.

L'ultima follia di Alain Resnais, che ha 87 anni, arriva nelle sale. Gli amori folli è uno tra i suoi film più belli. Una strabiliante lezione di libertà, un esercizio di incredibile acrobazia e anche una storia d'amore insolita e leggera, che unisce una coppia improbabile e divertente: Marguerite, una tempesta di fascino che sembra scappata fuori da un libro a fumetti, e Georges, tranquillo pensionato che tuttavia nasconde qualche tizzone di brace sotto la cenere. È un portafoglio a riattizzare il fuoco. Georges lo trova in un parcheggio e vuole assolutamente incontrare la proprietaria, Marguerite. Liberandosi con discrezione dalle catene del realismo, senza però mai lasciarsi andare a una deriva surrealista, questa storia invita continuamente lo spettatore a perdersi insieme alci. Arricchito con un'infinità di riferimenti a tutto quello che piace a Resnais, il film è una vera cascata di linfa vitale, mescolata sottilmente e intimamente con l'ombra della morte. Questo lo rende un film unico, il cui maggior pregio (bisogna dirlo con tutto il tatto e la cautela del caso) è di avere un piede nell'infanzia e uno nella tomba. Sembra un addio urlato con folle eleganza e sconvolgente serenità.

(Jacques Mandelbaum – da Le Monde, in Internazionale, 30/4/10)

1 aprile
OFFICINEMA
Avanti ancora Diva Meryl Streep

8 aprile
La passione
di Carlo Mazzacurati
con Silvio Orlando, Giuseppe Battiston e Cristiana Capotondi

Gianni Dubois, inconcludente regista cinematografico, a 50 anni troverà il modo per rivestire i panni da regista per una Sacra Rappresentazione recitata dagli abitanti di un paese. Con l'aiuto di un ex galeotto e una sorridente barista polacca, riuscirà a ritrovare la forza per una necessaria svolta umana.

Da Venezia sottolineavamo l'anomalia della Passione, film non classificabile in un genere e difficilmente collocabile nel panorama del nostro cinema. Ora che il film arriva nelle sale, sarà bene rimarcarne le caratteristiche più riconoscibili, per dare allo spettatore una pista che invogli alla visione. La pista potrebbe essere Silvio Orlando. Simpatico e bravissimo come al solito, interpreta un regista cinematografico (no, non come nel Caimano, come pure qualcuno ha scritto: là era un produttore!). La pista ci porta in luoghi che ben conosciamo: la provincia bucolica e cartolinesca del Chiantishire; i ritmi di una vita lontana dalla città, dove i possessori di telefonini fanno la coda per l'unico punto del paese in cui «c'è campo»; l'umanità di un «mondo piccolo», per dirla con Guareschi, dove ad ogni angolo si nasconde il dettaglio buffo (La passione non è una commedia ma fa molto ridere). Poi, siccome Carlo Mazzacurati è un regista dall'occhio acuminato, l'idillio della provincia si rivela quasi subito illusorio. Gli amministratori locali (al 99% del Pd, ma il film non lo dice) sono delle belve, il ricatto è evidente, la nevrosi del regista non guarisce. Ma forse, vedendo - letteralmente - un povero Cristo messo in croce, verrà messa in diversa prospettiva. Film lieve ma delizioso, fatto di frammenti azzeccatissimi, con attori stupendi (oltre a Orlando, applausi a Giuseppe Battiston, Marco Messeri, Cristiana Capotondi e un enorme Corrado Guzzanti).

(Alberto Crespi - da L'Unità, 24/9/10)

15 aprile
Passione – Un’avventura musicale
di John Turturro
con Avion Travel, Massimo Ranieri e Lina Sastri

La canzone napoletana raccontata da John Turturro, fra sceneggiate, canzoni, la Storia e le tradizioni di una città.

Forse per uno sguardo “straniero” è più facile che per il nostro cercare di afferrare l’essenza profonda di un popolo attraverso la sua musica. E così lo “straniero” Turturro gira il suo Buena Vista Social Club a Napoli e ci spiega, con estrema naturalezza, che le canzoni napoletane dicono, ad esempio “io ti amo tantissimo e voglio stare insieme a te, ma se tu non vuoi stare con me ok, mi metterò con tua sorella!” perché (aggiunge Turturro nel film) i napoletani sono così. Quale sintesi migliore per spiegare quel mix di ironia e ostinazione che caratterizza gli abitanti di questa città unica al mondo?Passione è, dunque, un affettuoso omaggio alla canzone napoletana come specchio del popolo partenopeo, nel quale si passa con estrema disinvoltura dai grandi nomi della ricerca filologica (Barra, Avitabile), agli innovatori (Raiz, Senese) fino ai cantanti di strada, senza mai abbassare la carica emotiva che resta, sempre e comunque, altissima. In perfetto stile partenopeo, poi, Turturro trasforma i classici in “sceneggiate”, così, “Comme facette mammeta” si trasforma in proto-video di Jennifer Lopez, “Malafemmina” rievoca la genesi della canzone (che Totò scrisse quando fu lasciato dalla moglie) attraverso i volti di Massimo Ranieri e Lina Sastri, fino al divertentissimo “Caravan petrol” con Fiorello e Turturro che inscenano una esilarante balletto in una solfatara.

(Roberto Rosa – da Sentieri Selvaggi, 26/10/10)

Siamo in arrivo

2010-11-08T11:22:00.000-08:00

Cari Amici,
il Cinecircolo Casalini sta per tornare - puntuale! - con la sua tradizionale programmazione.
La Stagione Cinematografica 2010/2011 avrà inizio il prossimo 10 dicembre e si protrarrà per 13 appuntamenti sino al 15 aprile.
Molto presto troverete qui il PROGRAMMA dettagliato.
Non mancate, dunque, di tornare a trovarci nei prossimi giorni.
Vi aspettiamo!

Il Programma della Stagione Cinematografica 2009/2010

2009-11-11T09:00:00.001-08:00

Cari Amici,
ecco finalmente a voi la Stagione Cinematografica 2009/2010 del Cinecircolo Casalini.
Di seguito trovate il programma dettagliato con trame, schede critiche, immagini e trailer di tutti i film in cartellone.
L'appuntamento è per il 4 dicembre.
Vi aspettiamo numerosi e con molti nuovi amici.
Buone visioni!

Stagione Cinematografica 2009 / 2010

4 dicembre
Questione di punti di vista
di Jacques Rivette
con Sergio Castellitto, Jane Birkin
(Fr. 2009 – 84' - commedia)

Nella campagna francese, Vittorio, un italiano senza meta, si ferma per qualche giorno in un piccolo circo, affascinato dall’eccentricità del gruppo e dall’animo tormentato della proprietaria Kate

Una carezza. E' quella regalata da Questione di punti di vista del maestro francese Jacques Rivette, 81 anni suonati e tanta leggerezza ancora da dare al cinema e alla vita. Il suo ultimo film rifugge veli e metafore, decostruisce il set, alza il tendone sulle faccende dell'arte. Parla di sé Rivette e del suo cammino di cineasta. A iniziare dai suoi attori: Jane Birkin, modello di rappresentazione di tutte le sue eroine (con lui ha già lavorato in L'amore in pezzi e La bella scontrosa), qui nei panni di una funambola che torna dopo 15 anni alla vita del circo e ai tormenti del passato. Prigioniera di un errore che non ha commesso come la protagonista di Suzanne Simonin, la religiosa (1967), innamorata di un fantasma come Pauline in Out 1: Noli me tangere (1971), funambola sospesa sulla vita come Louise di Alto, basso, fragile (1991). La Birkin porta a compimento il destino implicito dei personaggi rivettiani che come "tutti i draghi della nostra vita sono forse principesse sofferenti che chiedono di venire liberate". Lo dice il bravo Sergio Castellitto nel film, lo pensa il saggio Rivette. L'arte non è mai stata nulla di diverso: una liberazione. E in Questione di punti di vista Castellitto è il regista/demiurgo, colui che restituisce ordine e senso a una compagnia di teatranti smarriti. Ma è anche lo spettatore con la quale ogni artista è chiamato a confrontarsi, per comprendere, per fare meglio.

(Gianluca Arnone – da Cinematografo.it, 14/09/09)

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Tralier

11 dicembre
Ti amerò sempre
di Philippe Claudel
con Kristin Scott Thomas, Elisa Zylberstein
(Fr./Germ. 2008 – 115' – drammatico)

Juliette, dopo 15 anni di prigione, torna dalla sorella insegnante Lèa che la ospita in casa col marito, due figli adottivi e il suocero muto, ma la sua presenza rischia di far vacillare l' equilibrio famigliare.

Juliette degli spiriti, ventate di ricordi, l' agguato del tempo e dei rimorsi. Il titolo francese coniuga il verbo al passato (ti amo da molto tempo), quello italiano punta sul futuro. E il film è un magnifico esempio di cinema europeo, con azione interiore, molto francese, analisi psicologica raffinata e sofferente ma anche con due sorprese, una dopo 30 minuti; l' altra straziante, in fine. Una storia virata al femminile senza vezzi ma gran sensibilità. Philippe Claudel vuole omaggiare la forza delle donne nel rimettere a posto i pezzi di vita, loro e altrui. Una straordinaria Kristin Scott Thomas (nomination all'Oscar era d' obbligo) percorre il film guardandoti negli occhi gelidi dentro cui ribolle una insofferenza, un rimorso svelati nella scena madre; le dà risposta pure in silenzio l'attrice di rara sensibilità Elsa Zylberstein, ma sono da citare anche tutti gli apporti maschili, vari e perfetti. Thriller moral giudiziario con mini lacune di verosimile ma una tessitura drammatica di forza eccezionale, capace di accendere un «divertimento» emotivo intellettuale continuo. Il Libro (la notte sta di conforto sul letto) risulta al centro dell' attenzione e le citazioni di Dostoevskij e Leopardi non casuali, mentre si dice che Rohmer è il nostro Racine, dalla parete occhieggia un poster di Lubitsch. Bellissimo film cui vince su tutti la Parola che nel cinema può essere un Silenzio: fidatevi.

(Maurizio Porro - da Il Corriere della Sera, 6/2/09)

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Il trailer

15 gennaio
Louise Michel
di Benoît Delépine, Gustave Kervern
con Bouli Lanners, Robert Dehoux
(Fr. 2008 – 94’ – commedia)

Un gruppo di donne licenziate da una fabbrica tessile del Nord della Francia, investono la loro liquidazione per tentare di eliminare il padrone, ma scelgono i killer sbagliati, imbranati e grotteschi…

Questa storia semi-seria (ma esilarante!) di come un pugno di impiegate siano diventate committenti di una strage di funzionari è uno dei film più autenticamente anarchici e surreali dell'anno, una vera commedia di resistenza al vivere civile e sociale che già si fece notare al Festival del Film di Roma. Tutto in essa diventa atto di ribellione ad un ordine anche e specialmente quello che i due poveri protagonisti (per l'appunto Louise e Michel) non intendono certo come tale. I registi Benoît Delépine e Gustave de Kervern sostengono (da anarchici) di non conoscere la tecnica del cinema e di limitarsi a inquadrare ciò che vogliono mostrare, ma non è assolutamente vero. La conoscono e come! Non c'è immagine dietro la cui composizione non stia una profonda riflessione su quale elemento della scena vada sottolineato o dietro alla quale non si nasconda una valutazione morale. Non c'è carrello che non sia indispensabile (per finalità comiche, impressionanti o narrative) e non c'è forzatura del normale racconto che non sia una raffinata deviazione utile a raccontare un mondo (come ad esempio lo sono i brevissimi flashback dei protagonisti). Si divertono con una comicità semplice ma efficace, spesso innescata dal contrasto tra ciò che è in scena e ciò si può solo sentire fuoriscena. E anche quando inseriscono brevissimi momenti sentimentali si tratta di attimi tutti da cogliere, realizzati con grande conoscenza del cinema.

(Gabriele Niola – da MyMovies.it)

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IL TRAILER

22 gennaio
Lo spazio bianco
di Francesca Comencini
con Margherita Buy, Antonia Truppo
(It. 2009 – 96’ – drammatico)

Alice è venuta al mondo troppo presto, ha trascorso solo 6 mesi nella pancia della mamma, Maria, che ora le deve stare accanto, in attesa che nasca davvero.

Lo spazio bianco è un tempo sospeso, raccontato dalla fantasia e dal talento di quattro donne. Valeria Parrella ha scritto il romanzo, Francesca Comencini l'ha portato al cinema con il decisivo contributo di Federica Pontremoli alla sceneggiatura, Margherita Buy ha interpretato Maria con incredibile bravura. È un film di donne, forse anche «per» donne - e per lo più è la donna, nelle dinamiche di coppia, a scegliere il film da andare a vedere. In bocca al lupo. In realtà, se possiamo dirlo, vedere Lo spazio bianco può fare molto bene anche a noi uomini. Conosceremo, appunto, uno «spazio» nel quale non siamo previsti, ma dove possiamo dare comunque un nostro contributo a condizione di essere discreti. Il messaggio forte del film è che esistono situazioni in cui gli uomini debbono fare un passo indietro. Maria deve trovare dentro di sé la forza per tener duro fino al momento in cui Alice nascerà o, forse, morirà. Le altre donne sono complici, o esempi: come le altre madri nella sua stessa situazione, o come la magistrata che abita nel suo palazzo, perennemente accompagnata dalla scorta (siamo a Napoli, nel cuore di Gomorra) e lontana dal marito e dai figli. Ma sono anche moniti: come la paziente che cammina sul tetto dell'ospedale,e che potrebbe anche decidere di buttarsi. È un mondo in cui le donne affrontano sfide, paure, solitudini. Ma ce la fanno. Perché sono come Valeria, Francesca, Federica e Margherita. Brave. E toste.

(Alberto Crespi - da L'Unità, 16 ottobre 2009)

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Il Trailer

29 gennaio
The Reader – A voce alta
di Stephen Daldry
con Ralph Fiennes, Kate Winslet
(Usa/Germ 2008 – 124’ – drammatico)

Nella Berlino del dopoguerra, il giovane Michael ha una relazione con una donna più grande, con cui si dedica anche alla lettura dei classici. Diventato adulto e avvocato, Michael ripensa a quella donna misteriosa che aveva scoperto il suo drammatico passato.

Stephen Daldry ci offre un tentativo di sintesi del suo cinema precedente. Per un aspetto torna l'attenzione a una fase fondamentale della crescita di un adolescente come in Billy Elliot e per l'altro la voglia di cimentarsi con una storia che si muove su più scenari narrativi come accadeva in The Hours. Perché The Reader (che in inglese conserva l'intrigante attribuzione sia maschile che femminile) è una storia divisa in due. Nella prima parte fonde con uno sguardo vivace, e al contempo indagatore, l'iniziazione sessuale del protagonista maschile con la fame di cultura letteraria della donna che gli si offre con totale disponibilità. Il linguaggio dei corpi uniti e quello della parola scritta che diventa voce, con tutte le sfumature di senso che comporta, assorbe l'attenzione dello spettatore. Quasi improvvisamente però il film si sottrae a questa dimensione per spostare il baricentro sul tema del senso di colpa nei confronti della collettività che finisce con il riverberarsi sulle dinamiche interpersonali portando la narrazione sui binari già più visitati dal cinema sull'Olocausto. Ciò detto l'interpretazione di Kate Winslet resta magistrale anche se viene da chiedersi se non meritasse la nomination all'Oscar per la più psicologicamente sfaccettata prestazione offerta in Revolutionary Road.

(Giancarlo Zappoli – da MyMovies.it)

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12 febbraio
Two Lovers
di James Gray
con Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow
(Usa 2008 – 110’ - sentimentale)

Leonard torna a vivere con i genitori dopo essere stato abbandonato da una promessa sposa e si innamora della sua vicina ribelle Michelle, ma nella sua vita compare anche la dolce e rassicurante Sandra.

È una New York etnica, arcaica, dalla grana grossa e dalle ombre profonde quella che James Gray ama raccontare, una città di famiglie, di interni, di crepuscoli interminabili e notti ancora più lunghe. Tornando al quartiere dei suoi esordi (il film era Little Odessa, del 1995), Gray passa a una storia d'amore, un doppio triangolo giocato nei meandri confortevolmente ammuffiti e retrò di un vecchio condominio vicino al mare. Più o meno ispirato alle Notti Bianche di Dostoevski, Two Lovers si muove quasi interamente in una dimensione di sogno, astratta dal tempo reale (siamo nel presente ma le location evocano più gli anni '40 o '50). E’ proprio questo essere così «altro» che determina il fascino della sua ricerca, il suo localismo ostinato, le discrezione nell'osservazione degli affetti, l'attenzione ai minimi dettagli del microcosmo che racconta (Rossellini che, per assicurarsi che stia bene, spia il figlio dalla fessura sotto la porta...). Al suo terzo lavoro con Gray, Joaquin Phoenix è il personaggio centrale ma anche una vera e propria funzione dello sguardo (non a caso, l'hobby di Leonard è la fotografia). Il suo contemplare le due donne e intermittente intrecciarsi con loro, è contemplare la sua vita futura, indecisa tra l'incognita dell'avventura romantica e senza garanzie e il calore di un sentimento più discreto, ancorato in una zona di conforto senza pericoli.

(Giulia D’Agnolo Vallan - da Il Manifesto, 27 marzo 2009)

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19 febbraio
OffiCinema:
Omaggio a James Gray

Classe 1969, cresciuto nel Queens a New York da genitori di origini russe, il regista James Gray è stato paragonato ai suoi esordi addirittura a Martin Scorsese. Dopo la scuola di cinema in California, la partenza è infatti di quelle col botto: il suo primo film Little Odessa girato ad appena 25 anni vince il Leone d’argento a Venezia oltre che aggiudicarsi la coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile andata a Vanessa Redgrave. Grazie unicamente alla qualità della propria sceneggiatura riesce ad avere malgrado il budget ridotto un cast eccezionale per un'opera prima di un autore sconosciuto: Tim Roth, Vanessa Redgrave, Maximilian Schell e Edward Furlong al servizio di una storia molto dura incentrata sulla mafia russa in America. Il grande successo permette al giovane regista di guadagnarsi subito l’attenzione degli studios che lui snobba per portare avanti la propria idea di cinema. Sei anni dopo il primo film arriva la sua opera seconda, prodotta dalla Miramax, The Yards, film presentato in concorso al Festival di Cannes con i giovani Mark Wahlberg, Joaquin Phoenix e Charlize Theron e un budget hollywoodiano che nonostante tutto non bissa il successo del suo lungometraggio d’esordio. Nel 2007 Gray realizza il suo terzo film, I padroni della notte, un’epopea nella New York degli anni 80 anch’esso incentrato su storie di mafia russa e di legami conflittuali in una famiglia newyorchese. Con il successivo Two Lovers, nel 2008, cambia radicalmente genere passando al dramma sentimentale ancora una volta interpretato da Joaquin Phoenix, il suo alter ego davanti alla macchina da presa. Gray, che dal 2005 è sposato con Alexandra Dickson con la quale ha fatto due figli, nel 2009 siede nella giuria del Festival di Cannes.

(da Trovacinema.it)

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26 febbraio
Questione di cuore
di Francesca Archibugi
con Antonio Albanese, Kim Rossi Stuart
(It. 2009 – 104’ – commedia)

Angelo è un giovane carrozziere che accumula beni, Alberto uno sceneggiatore di successo che spreca parole. Colpiti al cuore da un infarto e dalla vita, vengono ricoverati nella stessa notte e nella stessa clinica.

La vita colpita al cuore abbatte il rapporto di asimmetria sociale, determina un cambio o una liberazione nel modo in cui i "soggetti a rischio" si relazionano col mondo: l'aria da divo di Alberto, che consuma nel suo grande appartamento gli ultimi scampoli di un'ormai tramontata agiatezza, e il proletario senso pratico di Angelo, che ha cresciuto due figli e farà amorevolmente fronte all'inettitudine dell'amico. Nonostante la società abbia costruito fra di loro una barriera invalicabile, la necrosi del cuore li ha uniti, allentando i ruoli, aprendo la possibilità di guardarsi in modo diverso e progredendo verso una reciproca comprensione. Se l'Archibugi è indubbiamente abile a descrivere le sfumature del comportamento dei suoi personaggi, la raffinatezza di Questione di cuore si deve in grande misura all'interpretazione di Antonio Albanese e di Kim Rossi Stuart. Il primo mostrando la vulnerabilità che si cela sotto la superficie caustica, il secondo mantenendo una presenza più discreta e distaccata, ma non meno capace di suscitare venature di intenso sentimento. La storia di Alberto e Angelo invita lo spettatore a contemplare, nel contesto di due vite (stra)ordinarie, i paradossi dell'amicizia, il vincolo di necessità e di affetto sincero che la patologia cardiovascolare e la malattia esistenziale hanno stabilito.

(Marzia Gandolfi, da MyMovies.it)

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5 marzo
La battaglia dei tre regni
di John Woo
con Tony Leung, Chang Chen
(Cina 2009 – 130’ – drammatico)

Il film racconta la battaglia di Red Cliff (le scogliere rosse, sottotitolo del film) sul fiume Yangtze, accanto alla foresta Crow, dove sono accampati gli eserciti dei regni del sud, che Cao Cao vuole eliminare per insediarsi come unico imperatore della Cina.

Il kolossal più costoso del cinema cinese (80 milioni dollari) vaga nei secoli e dalla data storica salta al XIII secolo, quando Il romanzo dei tre regni di Luo Guanzhong manipolò fatti e personaggi e diventò il Via con vento asiatico, per approdare nell'estetica del videogame e dei fumetti contemporanei. Mai un film di guerra è stato tanto pacifista nella sensualità sinuosa delle vesti e dei sorrisi, negli improvvisi detour narrativi. Tra uno scontro e l'altro, il suono di un flauto distrae un generale e ferma la violenza... Una goccia di pioggia, un'increspatura di sabbia, un neonato avvolto tra le braccia insanguinate di un soldato, tutto è pausa allucinata, sogno nell'incubo. John Woo firma il suo capolavoro, e tra i fotogrammi insinua l'antidoto ai desideri sanguinari di ogni imperialismo. Cao Cao, l'arrogante generale che spende a piene mani carne di suddito, sarà umiliato da un volteggio lieve di spada che gli scompiglia i capelli. 148' che passano in rassegna le teorie di Ulisse, l'ingegno, l'invenzione dada contro il brutale manuale militaresco. «Un film sugli eroi dei Tre regni che non avesse niente a che fare con le arti marziali», così si era ripromesso John Woo, e così è in questo film dai fraseggi fiabeschi e inquietanti, poema cinese del terzo millennio.

(Mariuccia Ciotta - da Il Manifesto, 23 ottobre 2009)

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12 marzo
OffiCinema:
Omaggio a Clint Eastwood

Pare che Sergio Leone dicesse di lui: “Ha soltanto due espressioni, con il sigaro e senza”. Eppure è stato proprio lui a togliere Clint Eastwood dal giro delle comparsate e dei serial tv e a farne un divo. Nato a San Francisco, in California, il 31 maggio 1930, Clint Eastwood trova soltanto in Italia, proprio grazie agli spaghetti western di Sergio Leone, la popolarità che in patria non riusciva a conquistare. Grazie a Per un pugno di dollari (1964), Per qualche dollaro in più (1965) e Il buono, il brutto e il cattivo (1966), la sua maschera diventa una sorta di simbolo, icona indelebile nell’immaginario collettivo.Quando torna negli Stati Uniti continua a cimentarsi con il genere western e a raccogliere successi, come quello ottenuto con Impiccalo più in alto (1968). Intanto incontra Don Siegel, l’altro suo grande maestro insieme a Sergio Leone. Dalla loro collaborazione nascono film come L’uomo dalla cravatta di cuoio (1968) e Gli avvoltoi hanno fame (1969). Nel 1971, con Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo, nasce il personaggio di Dirty Harry, il poliziotto più duro mai visto al cinema, che rivitalizza il genere poliziesco e regala a Eastwood un enorme successo. Nello stesso anno, Clint esordisce anche dietro la macchina da presa con il thriller psicanalitico Brivido nella notte. Poi alterna per molti anni le semplici interpretazioni, spesso con registi esordienti, come il Michael Cimino di Una calibro 20 per lo specialista, al lavoro di regista e autore dei suoi film. Notevole in questo senso è soprattutto il suo Bronco Bill (1980), splendido western crepuscolare in cui Eastwood fornisce anche una delle sue migliori interpretazioni. Dopo aver ricevuto una stroncatura dalla critica per Honkytonk Man (1982), Clint si rifugia per un po’ nel cinema commerciale, fino al riscatto del 1988 con Bird, che viene accolto con grande entusiasmo e conquista due premi a Cannes. Nel 1986, intanto, vince le elezioni a sindaco della cittadina di Carmel, in California, e mantiene la carica fino al 1992. Nello stesso anno il suo film Gli spietati vince quattro Oscar, tra cui miglior film e miglior regia, e consacra definitivamente Eastwood, non solo come uno dei maggiori attori americani, ma anche come uno tra i più importanti registi di Hollywood. Con I ponti di Madison County (1995) Eastwood esplora anche il cinema sentimentale e intimista e ottiene di nuovo un grande successo. A questo seguono Mezzanotte nel giardino del bene e del male e Potere assoluto nel 1997, Fino a prova contraria nel 1999, Space Cowboys nel 2000. Nello stesso anno riceve il Leone d’Oro alla carriera e la Mostra del Cinema di Venezia gli dedica un’ampia retrospettiva. Con il documentario The Blues: Piano Blues - che è parte di una più ampia serie coordinata da Martin Scorsese, realizzata di più registi e dedicata alla riscoperta delle radici del blues - Eastwood torna, nel 2002, dopo “Bird”, ad un lavoro fortemente permeato di musica, sua grande passione mai nascosta che, negli ultimi anni, ha fatto sì che componesse con il fido Lennie Niehaus anche le colonne sonore dei suoi film. E arrivano ancora Debito di sangue (nel 2002, Eastwood è anche interprete), Mystic River (2003, 6 nomination e 2 Oscar, a Sean Penn come migliore attore, a Tim Robbins miglior non protagonista), struggente affresco di un’infanzia perduta e violata. In seguito, Million Dollar Baby, nel 2004 (che riceve nel complesso 7 nomination e 4 premi Oscar), e il dittico su Iwo Jima del 2006: prima Flags of Our Fathers, poi Lettere da Iwo Jima che porta a Eastwood la sua decima nomination personale agli Oscar. Si dice di lui che sia come i buoni vini che più invecchiano e più migliorano: non fanno eccezione i suoi due film più recenti, Changeling e Gran Torino (2009).

(da trovacinema.it)

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19 marzo
Segreti di famiglia (Tetro)
di Francis Ford Coppola
con Vincent Gallo, Alden Ehrenreich
(Usa 2009 – 127’ – drammatico)

Benjamin, che sta per compiere 18 anni, va a cercare a Buenos Aires il fratello Tetro, che ha rotto da tempo i ponti con la famiglia. In passato, nel momento in cui era fuggito dalla casa paterna, Tetro aveva lasciato una lettera a Benjamin in cui prometteva di tornare per portarlo via con sé.

Francis Ford Coppola realizza il terzo lungometraggio completamente suo (nel senso che ne ha scritto anche soggetto e sceneggiatura) dopo The Rain People e La conversazione. Si percepisce sin dalla prima inquadratura in uno splendido bianco e nero che in questo film c'è la voglia da parte del regista di guardare dentro se stesso e la propria vita. È quello che fa quasi con spudoratezza offrendoci anche una sintesi del suo modo di concepire il cinema. Sul piano personale questa vicenda, in cui i legami familiari finiscono con il rivelarsi più forti di qualsiasi tentativo di alienarli, non manca di riferimenti diretti alla vita del regista. Padre e zio musicisti come nel film, famiglia sempre al seguito ovunque e, sicuramente, la sua stessa figura di padre/padrone dominante. Ma ciò che ancor più conta è il modo in cui Coppola dichiara il suo amore per un cinema che ha alle proprie radici il melodramma classico. Ce lo aveva già mostrato ne Il Padrino. Parte terza e ce lo ricorda ora con una vicenda in cui il colpo di scena è sempre in agguato e la musica classica gioca un ruolo non indifferente. Ma ci sono anche i ragazzi di Rumbe Fish in Tetro con la loro adolescenza tormentata. In chiusura un suggerimento che ogni tanto si rivela necessario: cercate di non farvi raccontare lo snodo della vicenda. Finireste col guardare la falena dalla parte sbagliata.

(Giancarlo Zappoli – da MyMovies.it)

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26 marzo
OffiCinema:
Omaggio a Stephan Elliott

Stephan Elliott. Regista australiano. Impulsivo, provocatorio e spesso vittima della sua stessa esuberanza, esordisce nel 1993 con Scherzi maligni, un film eccentrico e aggressivo che non piace ai produttori i quali lo rimontano completamente prima di distribuirlo. Per protesta il regista brucia l’unica copia del montaggio originale, pentendosene subito dopo. Complice la suggestiva vastità del deserto australiano, gira nel 1994 l’ironico e malinconico Priscilla, la regina del deserto, storia di omosessuali e travestiti che diventa presto un oggetto di culto internazionale. Sempre tormentato da difficoltà produttive, nel 1999 realizza The Eye - Lo sguardo, thriller anomalo e melodrammatico.

(da MyMovies.it)

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9 aprile
Il mio vicino Totoro di Hayao Miyazaki
(Giappone 1988 – 93’ – animazione)

Satsuki e la sorellina Mei si trasferiscono insieme al padre in una casa in campagna dove attendono il ritorno della madre malata. Qui Mei percepisce la presenza di un enorme animale, cui dà il nome di Totoro.

Realizzato nel 1988, Il mio vicino Totoro è il film in cui Miyazaki adotta una narrazione ad altezza di bambino, evidente soprattutto nel registro lessicale e nella fisicità delle due protagoniste, che esprimono i concetti con l’ausilio di gesti enfatici, urlando la loro gioia e dando vita a una sinfonia di suoni vitalistici che il film sente naturalmente come propri. Sebbene sia già presente l’idea della “soglia da attraversare” (come nel futuro La città incantata) per accedere alla tana del Totoro, il film non soggettivizza l’esperienza fantastica, ma la rende organica al ciclo della vita e della natura, in ossequio a quella componente animista che troverà il suo apogeo nel capolavoro Princess Mononoke. Le creature fantastiche del film, quindi, non abitano alcun altrove, ma vivono normalmente attorno a noi e l’unico confine possibile che si possa tracciare è quello interno alla nostra capacità di percepirne la presenza. Come i Nerini del Buio che tendono a fuggire alla presenza della luce per abitare gli interstizi delle case, così i vari personaggi che il film mette in scena tendono a preservare una propria autonomia che alla bisogna può però diventare aperta condivisione di intenti: il registro si fa in questo caso ironico (l’attesa del Totoro con l’ombrello alla fermata dell’autobus), favolistico (la scena del volo, immancabile in qualsiasi film di Miyazaki) quando non direttamente avventuroso e velatamente drammatico (la corsa di Satsuki a bordo del Gattobus alla ricerca di Mei, o anche quella verso l’ospedale).

(Davide Di Giorgio)

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CINECIRCOLO CASALINI
aderente al Centro Studi Cinematografici
Sala Chaplin (c/o Consultorio “Il Focolare”) Via Plateia 142 - 74100 Taranto
Telefono 099.7353802
SPETTACOLI: h. 17.45 e h. 21.15 (OffiCinema solo h. 17.45)
QUOTA SOCIALE: Adulti: € 33,00 - Studenti: € 27,00
Le tessere sono disponibili presso la sede del Cinecircolo e la segreteria del Consultorio “Il Focolare”, o presso la Libreria Dickens, in Via Medaglie d'Oro 129.

Cinecircolo Casalini: ecco il programma 2009/2010

2009-11-11T06:40:00.000-08:00

Cari amici,
come annunciato ieri, il Cinecircolo Casalini è pronto con la Stagione Cinematografica 2009/2010, che avrà inizio il prossimo 4 dicembre.
Ne anticipiamo il programma riportando di seguito il Comunicato Stampa che stiamo diffondendo oggi agli amici degli organi di informazione.
Quanto prima troverete sul nostro sito il programma dettagliato con le schede dei film complete di trama, commento critico, foto e trailer.
Buona lettura e buone prossime visioni a tutti!

comunicato stampa

La Stagione 2009/2010 del Cinecircolo Casalini: autori e sentimenti per tredici appuntamenti

Ecco il programma dello storico cineclub tarantino. Dal 4 dicembre al 9 aprile un cartellone ricco di proposte per cinefili in cerca di grandi registi capaci di narrare emozioni autentiche e storie appassionanti. Una selezione di film che hanno riscosso successo presso il pubblico e la critica dei principali festival internazionali, grazie anche ad interpreti di grande talento. Si va da Jacques Rivette a Coppola, dalla Archibugi alla Comencini, da James Gray a Clint Eastwood, passando per interpreti del calibro di Gwyneth Paltrow, Margherita Buy, Ralph Fiennes, Sergio Castellitto, Joaquin Phoenix, Kim Rossi Stuart, Kate Winslet e Jane Birkin

Da quarant'anni attivo a Taranto come punto di riferimento per i cinefili, il Cinecircolo Casalini annuncia la Stagione Cinematografica 2009/2010, che avrà inizio il 4 dicembre prossimo per concludersi il 9 aprile 2010. Tredici appuntamenti con il cinema dei grandi autori e con gli interpreti più apprezzati da critica e pubblico, per un programma che propone una panoramica su storie che parlano di sentimenti, emozioni, problemi quotidiani e legami forti.
Si va da Jacques Rivette a Coppola, dalla Archibugi alla Comencini, da James Gray a Clint Eastwood, passando per interpreti del calibro di Gwyneth Paltrow, Margherita Buy, Ralph Fiennes, Sergio Castellitto, Joaquin Phoenix, Kim Rossi Stuart, Tony leungKate Winslet, Jane Birkin.
Caratterizzato da numerose prime visioni cittadine e da opere che hanno attraversato con successo i principali festival internazionali, il programma del Casalini inizia il 4 dicembre prossimo con "Questione di punti di vista" di Jacques Rivette con Sergio Castellitto e Jane Birkin tra amori e dissapori sullo scenario di un circo di periferia: l'importanza del punto di vista annunciata dal titolo, unitamente alla regia di uno dei grandi vecchi del cinema mondiale e alle prestazioni straordinarie di due interpreti internazionali d'accezione, fanno di questo film l'apertura ideale per una rassegna come quella proposta quest'anno dal Casalini.
L'11 dicembre sarà la volta di "Ti amerò sempre" di Philippe Claudel, dramma famigliare con Kristin Scott Thomas al centro della storia di una sorella che torna a casa dopo 15 anni di prigione e infrange gli equilibri domestici. Il 15 gennaio il Casalini riapre i battenti con la dark comedy franco-tedesca "Louise Michel" di Benoît Delépine e Gustave Kervern, in cui un gruppo di operaie s'inventa una soluzione alquanto particolare per risolvere il problema dei rapporti non facili con loro padrone. Il 22 gennaio è la volta di "Lo spazio bianco" di Francesca Comencini, interpretato da una straordinaria Margherita Buy nei panni di una madre sospesa sui due mesi in cui la bimba che ha dato alla luce prematuramente deve restare in un'incubatrice. Il dramma della guerra e della Germania in mano ai nazisti è rivissuto da Kate Winslet e Ralph Fiennes in "The Reader" di Stephen Daldry, in programma il 29 gennaio.
Il mese di febbraio, invece si apre all'insegna di uno dei più grandi registi americani dell'ultima generazione, James Gray: acclamato dalla critica mondiale con soli quattro film all'attivo, di Gray il Casalini propone il 12 febbraio "Two Lovers", dramma sentimentale interpretato da Gwineth Paltrow e Joaquin Phoenix che vede un giovane diviso tra l'amore per una brava ragazza presentatagli dai genitori e la passione per una vicina di casa dalla vita emotiva più burrascosa. A James Gray è anche dedicato il primi dei tre appuntamenti di approfondimento di OffiCinema, in programma il 19 febbraio.
Sentimenti e legami d'amicizia sono invece al centro di "Questione di cuore", bel ritorno di Francesca Archibugi con una intensa commedia romana interpretata da Antonio Albanese e Kim Rossi Stuart (26 febbraio). Marzo invece si apre con uno spettacolare dramma storico cinese, "La battaglia dei tre regni" (05/03) diretto dal geniale regista hongkonghese John Woo, di ritorno in patria con questo kolossal dopo anni di successi a Hollywood.
Il 12 marzo il Casalini torna a riflettere sul cinema di Clint Eastwood, dedicando al grandissimo regista di "Gran Torino" il secondo appuntamento di OffiCinema, mentre il 19 marzo sarà la volta di un altro nome fondamentale del cinema mondiale, Francis Ford Coppola, di cui viene presentato il recente capolavoro, "Segreti di famiglia - Tetro", interpretato da Vincent Gallo e dall'astro nascente Alden Ehrenreich. Il 26 marzo il terzo appuntamento di OffiCinema si sofferma sul cinema elegante del regista australiano Stephen Elliott, autore del recente successo di "Un matrimonio all'inglese", mentre il 9 aprile il Casalini conclude la sua stagione proponendo in prima cittadina "Il mio vicino Totoro", opera che nel lontano 1988 ha fondato la grande arte del maestro dell'animazione giapponese Hayao Miyazaki.
Le proiezioni avranno luogo sempre presso la Sala Chaplin, storica sede del cinecircolo tarantino in Via Plateja 142. Due gli spettacoli, alle 17.45 e alle 21.15. Gli appuntamenti di OffiCinema, invece, si svolgeranno solo alle ore 17.45. La Quota Sociale per assistere a tutte le proiezioni del Cinecircolo Casalini è di 33,00 Euro, ridotta a 27,00 Euro per gli Studenti.
Le tessere sono disponibili presso la sede del Cinecircolo nei giorni di programmazione, oppure presso la segreteria del Consultorio "Il Focolare" (Via Plateja 142) e la Libreria Dickens (Via Medaglie d'Oro 129). Ai soci verrà distribuito il consueto quaderno critico.

Presto il programma della nuova Stagione Cinematografica

2009-11-10T10:01:00.001-08:00

Cari Amici,
il CINECIRCOLO CASALINI sta per tornare.

Molto presto annunceremo il PROGRAMMA della Stagione Cinematografica 2009 / 2010.

Ancora 13 appuntamenti con il grande cinema, gli autori che amiamo e gli interpreti che preferiamo.

A partire dal 4 dicembre prossimo, sino al 9 aprile 2010.

Vi aspettiamo per scoprire insieme le nostre sorprese.

A presto.

Arrivederci !

2009-04-26T09:22:00.000-07:00

Anche quest'anno la Stagione del Cinecircolo Casalini è stata seguita con affetto e partecipazione dai cinefili tarantini.

Il Cinema è stato con noi e noi siamo stati insieme: questo è ciò che conta...

L'appuntamento è all'anno prossimo, con una nuova stagione cinematografica.

Non mancate di venirci a trovare.

A presto e

GRAZIE.

Lo staff del Cinecircolo Casalini

Le schede critiche dei film in programma

2008-11-18T09:25:00.000-08:00

Cari Amici,
dopo avervi fornito i trailer e le immagini di tutti i film in programma nel corso della Stagione 2008/2009 del nostro Cinecircolo, ci sembra opportuno offrirvi qualche spunto di approfondimento critico e informativo in più.
Ecco dunque le schede critiche dei nostri film.
Per gli incontri di OffiCinema, vi diamo appuntamento alle date di programmazione per ulteriori notizie.

VI RICORDIAMO CHE GLI SPETTACOLI SONO ALLE 17.45 E 21.15.
GLI INCONTRI DI "OFFICINEMA" SONO INVECE ALLE ORE 17.45

Buona lettura e Buone Visioni.

28 novembre
Non pensarci
di Gianni Zanasi
Con Valerio Mastandrea, Anita Caprioli, Giuseppe Battiston
Italia, 2007
105’

Stefano, chitarrista rock di una band rimasta temporaneamente senza vocalist, torna a casa per una vacanza e deve far fronte ai problemi e ai drammi insoluti di una realtà da cui aveva preferito staccarsi e che ora gli ripiomba letteralmente addosso con esiti grotteschi.

“Ho paura che questo non sia un film rigoroso”, scrive Gianni Zanasi nelle note d’autore che accompagnano Non pensarci e spiazza d’un colpo lo scenario di un cinema italiano in cui la leggerezza sembra un difetto, la levità una debolezza. Lui invece è uno che leggerezza e levità lì coltiva, fa un cinema in cui l’irriverenza, la mitezza, la gioiosità – tutti contrari di rigore… – sono di casa. Non pensarci ne è la prova, anzi la conferma, perché Zanasi lo conosciamo da tempo, col suo cinema apparentemente distratto, un po’ come quei ragazzi che a scuola sembrano sempre disattenti e poi ti stupiscono con sortite e osservazioni che dimostrano che hanno capito molto più e meglio dei secchioni del primo banco… Nella mischia (1995), Fuori di me (1999), un po’ meno A domani (1999), sono tutti film che, come Non pensarci, sfiorano la realtà non tanto in cerca quanto in perdita di verità, perfettamente scentrati rispetto al falso baricentro problematico di un mondo che corre.
Le situazioni si accumulano, ma Zanasi le gestisce come fossero scritte su carta velina lasciata in balia del vento, non appesantisce mai nulla, neanche i personaggi, che pure non perdono mai di consistenza, ma anzi acquistano una vivacità umana che, se è anti-drammatica, è anche anti-realistica, ma trova sempre la giusta consistenza psicologica e non disperde mai la sostanza drammaturgica delle azioni e delle figure in campo.
In effetti, la cifra che maggiormente colpisce in un film come Non pensarci è quella che rifugge dalla ricerca di mimesi drammatica nei confronti della realtà. Zanasi adotta semplicemente e perfettamente lo stile della commedia, ma lo performa come fosse una fatalità in cui il film lascia inciampare il vissuto di un personaggio chiaramente (anche se non dichiaratamente) in crisi.
(Massimo Causo - Panoramiche)

5 dicembre
Un bacio romantico
(My Blueberry Nights)
di Wong Kar-wai
Con Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, David Strathairn, Rachel Weisz
HK/Cina/Francia, 2007
95’

New York. Lizzie è sola in una pasticceria e la particolare complicità di un momento con il proprietario Jeremy la spinge ad affrontare il mondo, e a farle conoscere tante storie di solitudine e sentimenti, finché il viaggio non la riporterà al punto di partenza.

Non sorprende affatto constatare come Wong Kar-Wai riesca a compiere quell’operazione di innesto delle proprie coordinate artistiche nel cinema occidentale che a molti colleghi invece non è riuscita: perché in fondo il suo cinema ha sempre tradito una tensione universale e cosmopolita in grado di attecchire tanto nelle metropoli dell’Est quanto in quelle dell’Ovest. In fondo Un bacio appassionato è un film di forze divergenti, così aderente all’iconografia americana da sembrare poco personale, ma invece capace di veicolare sottotraccia le ossessioni tipiche del Wong Kar-Wai migliore, quello che più di dieci anni fa ci stupiva con lo splendido dittico formato da Hong Kong Express e Angeli perduti.
La solitudine in primo luogo, una sorta di sentire comune che immalinconisce naturalmente ogni personaggio e lo rende un’icona danzante in una città-proscenio, testimone e prolungamento del malessere. La misura della distanza fra i personaggi è data ancora una volta dagli oggetti: la torta di Jeremy, le chiavi di Lizzie, il gettone di Arnie, l’auto di Leslie sono anch’essi personaggi della storia, sono il territorio che misura il progressivo sfiorarsi di queste anime sole in cerca del proprio posto nel mondo. E se nei suoi precedenti lavori Wong Kar-Wai lasciava il racconto slabbrato, preferiva imbastire delle situazioni senza cercare una struttura narrativa in grado di garantire la quadratura del cerchio, stavolta i meccanismi del cinema occidentale lo spingono a osare una narrazione più compatta, ma senza snaturamenti, in un divertente gioco di mimesi che lo porta di volta in volta a contraddire o ossequiare le aspettative dello spettatore occidentale.
(Davide Di Giorgio)

12 dicembre
Pranzo di ferragosto
di Gianni Di Gregorio
Con Valeria De Franciscis, Gianni Di Gregorio, Marina Cacciotti, Maria Calì, Grazia Cesarini Sforza
Italia, 2008
75’

Il cinquantenne Gianni si ritrova costretto a tenere in casa a Ferragosto, insieme all’anziana e volitiva madre, anche altre signore che renderanno la giornata una piccola avventura.

Alla recente Mostra di Venezia, ha costituito un inatteso motivo di curiosità ed ha dato origine a un piccolo caso. Ha ricevuto anche diversi riconoscimenti, fra cui il “Premio De Laurentiis” per la migliore opera prima. Selezionato e presentato alla “Settimana della critica”, “Pranzo di ferragosto” ha indubbiamente molti meriti. Una caratteristica di fondo è il sofferto carattere autobiografico del film, che a quanto si capisce è girato nella stessa abitazione trasteverina del regista. Del resto tutto il film è molto capitolino, a cominciare dalla presenza di Di Gregorio, il quale riesce a spalmarvi sopra la sua sottile romanità, ribadita dall’accento, dal vocabolario e ancor più dal suo volto che in linea di massima è molto generico e senza severe collocazioni etniche, ma che è anche animato da una sorta di arresa arrendevolezza parastatale, grazie alla quale il personaggio diventa compiuto e coerente.
Si sente che il film è opera di uno sceneggiatore improvvisatosi regista, ma si sente anche il gusto della piccola opera esatta e rifinita, del piacere di un aneddoto breve ma civile, di un elzeviro inatteso in un momento in cui il cinema italiano è prevalentemente magniloquente e ammonitorio o soltanto furbesco. È un film pieno di trovate minime ma garbate: si veda il rapporto fra Gianni, ormai uomo di casa da molti anni, con la cucina e il vino bianco, di cui fa un consumo affettuoso e continuo secondo le tradizioni proletarie di una città ove il vino rosso è sempre stato considerato con sospetto.
(Claudio G. Fava - Emme – Modena Mondo)

Ogni anno a Venezia c’è un "caso": quest’anno è stato il turno del Pranzo di Ferragosto di Gianni Di Gregorio, inserito nella Settimana internazionale della critica. Il film segna l’esordio alla regia per questo autore, stretto collaboratore di Matteo Garrone, ed è un’opera tanto semplice quanto onesta.
Premiato con il premio De Laurentis quale miglior opera prima, questo film ha l’indubbio pregio di offrire esattamente quanto promette, senza creare particolari aspettative. Con una recitazione molto vicina alla filodrammatica, ed una regia che, ricorrendo al frequente uso della macchina a mano, tenta di staccarsi dall’impianto sostanzialmente teatrale della sceneggiatura, il film ci introduce di nuovo in un mondo di personaggi quasi archetipici della commedia all’italiana: i romani sfaccendati, che trascinano la loro esistenza tra discussioni banali e "bianchetti" all’osteria, e le vecchiette capricciose ed ancora in gamba. De Gregorio si rivela un attore molto adatto al ruolo del figlio che, volontariamente, si fa vessare dalla madre, anche se, a volte, si comporta più come regista che come personaggio. Nel film vi sono molte situazioni divertenti, anche se, forse, la più sottile ed indovinata è la parodia al viaggio in scooter di Nanni Moretti, per le vie deserte di una Roma ferragostana, alla prosaica ricerca di un pesce da cucinare.
Costato molto poco per un’opera produttivamente strutturata ("appena" 500.000 euro), Pranzo di Ferragosto è un esempio di come, con una buona idea e un minimo di organizzazione, si possano realizzare opere gradevoli, non proprio banali, che trovano subito il favore del pubblico.
(Luigi Nepi – Drammaturgia.it)

9 gennaio
Il matrimonio di Lorna
(Le silence de Lorna)
di Luc e Jean-Pierre Dardenne
Con Arta Dobroshi, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione, Alban Ukaj, Morgan Marinne
Francia, 2008
105’

Lorna è una ragazza albanese che sogna di diventare proprietaria di un bar assieme all’uomo che ama e, per ottenere la nazionalità belga, si adatta a fare un falso matrimonio con Claudy, un delinquente locale. Ma l’uomo in realtà vuole farla sposare a un boss russo.

Se fino a ieri lo stile dei Dardenne (macchina a mano in movimento, semisoggettiva sulla o sul protagonista) si era pietrificato e aveva fatto storia (e tendenza), con Le silence de Lorna avvengono leggeri smottamenti strutturali. Per seguire negli anfratti di Liegi una tranche de vie della giovane immigrata albanese Lorna (Arta Dobroshi), i Dardenne si affidano improvvisamente alla parola, al dialogo, all'esplicazione dei concetti attraverso le battute recitate. Viene così a mancare una buona dose di veicolazione di senso, esasperato tratto distintivo del loro cinema affidatosi quasi totalmente alla lente della macchina da presa.
Il dramma di Lorna, sballottata sentimentalmente tra affetti e relazioni, tra macroesperienza politica (lo schiavismo e il ricatto dell'immigrata) e microesperienza individuale (i differenti impulsi provati verso un mondo di uomini violenti, incapaci, sfruttatori) diventa un soggetto femminile neorealistico a tutto tondo. E per raccontarlo non serve più il pedinamento ossessivo del classico Dardenne touch, ma quadri d'insieme, scappatoie narrative sfiorate per arricchire la tragedia del singolo. (…) Per Lorna il denaro è mezzo e fine dell'esistenza, elemento mancante e ricercato, messo sotto lucchetto per paura che venga rubato. Una rappresentazione ossessiva di un dato reale che porta sempre ad una tragica non soluzione. Anche se poi i Dardenne all'improvviso negli ultimi minuti di film fanno rivivere la loro eroina vagamente bressoniana: la pedinano da dietro, la lasciano affidarsi all'istinto, alla fuga in avanti verso un'indipendenza spirituale più sentita e compiuta. Probabile inizi un altro film, probabile sia il colpo d'ala per dirci che in fondo i Dardenne sono sempre loro e per l'ennesima volta hanno girato un piccolo capolavoro.
(Davide Turrini – Liberazione)

Meno concitate, meno rabbiose del solito (la cinepresa super 16mm è stata rimpiazzata da una più pesante 35mm), le inquadrature dei fratelli Dardenne stanno incollate alla tenacia di Lorna, oggetto che lotta per farsi soggetto, corpo che accumula ed elabora il dolore. Il matrimonio di Lorna è l’ennesimo racconto morale dei fratelli valloni, ma, a differenza de La promesse o L’enfant, l’evento che schiaffa di fronte allo shock della responsabilità è stato sostituito dalla gradualità dell’elaborazione etica. Lorna è considerata oggetto di scambio, meccanismo di un ingranaggio economico da cui lei stessa trae vantaggio: comprare il matrimonio, liquidare il marito tossico inducendolo a un’overdose e risposarsi subito dopo con un extracomunitario come lei fa parte di una logica schiacciante che non lascia spazio a scrupolo alcuno. Eppure Lorna vive insieme a Claudy, assiste quotidianamente alla sua snervante fragilità, alle sue patetiche richieste d’aiuto. Improvvisamente Lorna si spoglia e si avvicina a Claudy con disarmante, incondizionata gratuità, aprendosi così ad un altro modo di concepire i rapporti: è uno dei passaggi più toccanti e rivoluzionari (proprio così, rivoluzionari) che il cinema contemporaneo abbia prodotto. Nel chiuso di un appartamento di Liegi si consuma un attentato alla logica economica che condiziona i rapporti sociali, segnando così il definitivo ed irreparabile strappo tra la protagonista e il mondo che la circonda. In questo solitario percorso di rigenerazione morale, i Dardenne sottraggono i nuclei drammatici più eclatanti e tracciano una narrazione di lancinante essenzialità, lasciando agli spettatori la facoltà di colmare le lacune e ricostruirne personalmente il senso. Premio per la miglior sceneggiatura al 61° Festival di Cannes.
(Alessandro Baratti – Gli spietati)

16 gennaio
Grace is Gone
(id.)
di James C. Strouse
Con John Cusack, Shelan O’Keefe, Gracie Bdenarczyk, Alessandro Nivola
Usa, 2007
85’

Stanley Phillips, ex-militare in congedo, apprende che sua moglie Grace, arruolatasi volontaria in Iraq, è morta in un’azione militare. Distrutto dalla perdita, Stanley deve rivelare la tragica verità alle sue due giovani figlie.

Grace is Gone, opera prima di James C. Strouse, già sceneggiatore dell’ottimo Lonesome Jim, aggiunge allo stile indie e alla tematica del viaggio “di crescita” argomentazioni attuali e dure, relative non tanto a chi la guerra la sta combattendo, ma a coloro che, per una ragione o per l’altra, la “vivono” con tensione e dolore da casa.
Il film non dimentica di inserire una tematizzazione delle problematiche ideologiche relative al conflitto. Sebbene le convinzioni di Stanley siano un aspetto accessorio rispetto al dramma in atto, sarà un incontro con il fratello minore (un efficace Alessandro Nivola) a offrire l’occasione per uno scontro di opinioni. Se infatti Stanley e sua moglie avevano ritenuto giusto arruolarsi per andare a combattere, il più giovane e aitante Jack reputa la guerra sbagliata, disconosce Bush come “suo” presidente, ma non è mai andato a votare. L’America di Bush ha forse perso la “grazia” e con essa anche la fede in un conflitto armato evidentemente sbagliato, e Grace Is Gone, senza indulgere troppo in dissertazioni ideologiche, riesce a ritrarre con successo le conseguenze più intime di una politica estera errata. Non si tratta dunque di un film politico, quanto piuttosto del ponderato resoconto di una tragedia familiare, dove John Cusack ha modo di regalarci una delle sue migliori interpretazioni e Strouse di tessere abilmente una delicata elaborazione del lutto e dell’assenza, dove la figura della madre, immobile come nella foto nuziale, si fa cardine drammatico asciutto e raggelante.
Sorpresa nei credits, le musiche sono firmate da un compositore d'eccezione quale Clint Eastwood, per la prima volta al lavoro come autore di colonne sonore per un film non suo.
(Daria Pomponio – CinemAvvenire)

6 febbraio
Juno
(id.)
di Jason Reitman
Con Ellen Page, Michael Cera, Jason Bateman, Jennifer Garner, J.K. Simmons
Usa, 2007
95’

Adolescente anticonformista, Juno resta incinta dopo il primo rapporto sessuale e decide di trovare una coppia di genitori cui affidare il suo “fagiolo”.

Premiato agli Oscar per la miglior sceneggiatura originale, prodotto dalla Fox Searchlight (cioè dalla società della Fox specializzata in film a basso budget, perché va bene fidarsi dei nuovi talenti ma sempre con juicio), Juno è il tipico prodotto hollywoodiano in «stile Sundance», dove il ritmo delle battute, l'anticonformismo giovanilista e la simpatia degli interpreti concorrono a realizzare un film simpatico, furbetto e piacevole, che scorre via come l'acqua fresca d'estate.
La trovata più indovinata dell'operazione è la scelta del soggetto: puntare su un fatto considerato genericamente negativo (restare incinta al primo rapporto) e raccontarlo con tutto l'umorismo e l'ironia possibili. Merito indubbio della sceneggiatrice esordiente Diablo Cody (all'anagrafe Brook Busey, classe 1979) di cui ormai tutti conoscono il passato prima come spogliarellista e poi come telefonista erotica. Esperienze buone per aumentare la propria conoscenza della natura umana e probabilmente per costruirsi quel bagaglio di sarcasmo e simpatica strafottenza che caratterizza il personaggio di Juno, la protagonista della sua prima sceneggiatura.
La scrittura di Diablo Cody e la messa in scena di Jason Reitman (figlio del regista di Ghostbusters e già apprezzato per Thank You for Smoking) tendono a smussare qualsiasi elemento di attrito per poter meglio esaltare lo spirito anticonformista della protagonista. Le confidenze con l'amica del cuore, le schermaglie con il compagno di esperienze sessuali, la confessione del proprio stato ai genitori, l'incontro con l'agiata coppia di genitori adottivi sono tutti costruiti secondo un unico, collaudatissimo schema: offrire a Juno la possibilità di mettere in mostra il proprio blando anticonformismo e la propria simpatica esuberanza.
(Paolo Mereghetti – Il Corriere della Sera)

13 febbraio
Il falsario – Operazione Bernhard
(Die Fälscher)
di Stefan Ruzowitzky
Con Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner
Germania/Austria, 2007
98’

Ispirato a fatti realmente accaduti, la vicenda di un tipografo e un falsario che dopo essere stati rinchiusi in un campo di concentramento nazista vengono poi aggregati a una squadra speciale con l’incarico di falsificare, a scopi bellici, valuta inglese e americana.

Il miracoloso equilibrio conservato dal film deve molto, probabilmente, alla variegata esperienza cinematografica del suo autore. Tra i registi dell’area germanica (Il falsario è per inciso una coproduzione austro-tedesca) Ruzowitsky si è finora distinto per un certo eclettismo. Qualunque sia il grado di parentela che leghi il modus operandi del “padronato” in The Inheritors (1998), la setta di medici anti-ippocratici combattuta da Franka Potente nell’horror Anatomy (2000), e la combriccola di SS che agisce nella nuova pellicola, vi è in opposizione un’istanza libertaria impossibilitata ad acquisire una forma definitiva, che per quanto riguarda Il falsario si trasferisce nei conflitti di coscienza e nelle differenze di temperamento dei deportati. Se nella cornice pre e post-bellica il regista austriaco si concede un tratto calligrafico, persino eccessivo in certi momenti, recupera poi incisività e asciuttezza nel descrivere la quotidianità del lager. Pellicola leggermente sgranata. Raggelanti esecuzioni sommarie in campo lungo. Recitazione molto fisica degli attori, visibilmente coinvolti. Ed è così che realismo della messinscena ed esigenze ritmiche di un racconto dai risvolti insoliti si fondono, lasciando spazi di riflessione intorno all’operato di un falsario di professione e di un tipografo idealista, ugualmente travolti da una dialettica feroce che non lascia scampo alle illusioni: quella della svastica, in base alla quale gli uomini vengono arbitrariamente ripartiti nelle colonne dei sommersi e dei salvati.
(Stefano Coccia – Gli spietati)

27 febbraio
La classe
(Entre les murs)
di Laurent Cantet
Con François Bégaudeau, Passim Amraby, Laura Baquela, Cherif Bounaidja Rachidi
Francia, 2008
128’

Il racconto di un anno scolastico e di un professore alle prese con la sua classe.

Laurent Cantet adatta il libro di François Bégaudeau che ha scritto della sua esperienza come professore ed è anche il protagonista della pellicola. Il piccolo microcosmo di una classe multietnica diventa cassa di risonanza di tutte le questioni sulle quali la società occidentale deve ormai confrontarsi. Rapporto con il sapere e la sua trasmissione, ma anche rapporto con il potere, con un certo ordine sociale. Il regista segue la sua classe per tutto l’anno scolastico nella periferia parigina. Lavora per la prima volta nella sua carriera con il digitale HD con almeno tre punti di vista che continuamente s’intrecciano: il primo punta su François, il professore che lasciava la parola ai suoi allievi, il secondo sui ragazzi della classe e il terzo è alla ricerca continua di tutti i dettagli degli sguardi, delle assenze di sguardi. Avere tre prospettive che si muovono simultaneamente genera in tempo reale quadri di raccordo e il ritmo del narrato. Richiesta del diritto ad una corretta rappresentazione delle cose. La banlieue di Parigi non è solo quella di Kassovitz e rivendica una vita “normale” fuori per una volta dai clichè violenti dove si muore e si uccide all’unisono. La banlieue può rivivere anche in una favola che riflette sull'appartenenza a una comunità e sui rapporti etnici: un cinema magari più vicino alle prime commedie politiche di Robert Guédiguian. Cantet dimostra dimestichezza e agilità stilistica tra docu-film e formato fiction che tanto ricorda i fratelli Dardenne, senza però farsi “schiacciare” dalla macchina da presa. Schivate estetiche “accentratrici” non comunicanti, lo sguardo del regista si chiude accrescendo paradossalmente la tolleranza reciproca tra territorialità a superficie ridotta e congestionamento visivo.
(Leonardo Lardieri – Sentieri Selvaggi)

6 marzo
Parigi
(Paris)
di Cédric Klapisch
Con Juliette Binoche, Romain Duris, Fabrice Luchini, Albert Dupontel, François Cluzet
Francia, 2008
130’

Parigi e la gente che la vive, ognuna alle prese con grandezze e piccolezze della vita, ognuna a chiedersi il senso delle cose.

Klapisch fa forza su una sensibilità che lo aiuta, come lo ha quasi sempre aiutato fin dai tempi di Aria di famiglia, a non addensare le sequenze con sovraccarichi di emozioni. Un’attenzione che lo invita a semplificare, a rispettare il ritmo “in levare” delle vicende. Così, il film si trova “tra” le storie quanto “nelle” storie: e di spazi ce ne sono molti, tra le ansie, i desideri, le gioie e le paure di tutte quelle vite che scorrono, minuscole gocce di sangue nel cuore di Parigi.
La città è sfondo, cornice, sottotitolo, fuoricampo: esagerata e caotica, come in alcune delle immagini iniziali, oppure frusciante, operosa, come nello zoom di chiusura. Non è la protagonista di un film che avrebbe potuto intitolarsi in mille altri modi. Parigi è film sincero di personaggi, di sensazioni, di calore umano, esaltati dalle interpretazioni partecipate di tutti gli attori, a partire dalla Binoche, da Luchini, da Duris – finalmente libero dallo Xavier de L’appartamento spagnolo – fino ai volti meno noti in Italia, come quello del fruttivendolo Dupontel. Personaggi rispettati, nelle loro tipicità umane, da una messa in scena delicata, nel trattare i toni del comico come in quelli del tragico. Come a dire che la vita, nei momenti migliori come in quelli bui, andrebbe trattata con serietà e leggerezza allo stesso tempo. Klapisch ci riesce, schiva i luoghi comuni, allontana la morbosità degli sguardi troppo penetranti, evita il livore delle tragedie e ti fa affezionare.
Pierre (Duris), mentre in taxi va all’appuntamento della sua vita, ride. Chissà che fine farà. Chissà che fine farò, ti chiedi quando esci dal cinema, mentre Pierre e tutte quelle altre persone un po’ ti mancano.
(Umberto Martino – Sentieri Selvaggi)

20 marzo
L’innocenza del peccato
(La fille coupée en deux)
di Claude Chabrol
Con Ludivine Sagnier, Benoît Magimel, François Berléand, Mathilda May, Caroline Sihol
Francia/Germania, 2007
114’

L'educazione sentimentale della giovanissima giornalista televisiva Gabrielle, che perde la testa per il maturo e ambiguo scrittore Charles, in una spirale di perversione sentimentale che la schianterà e ne annienterà le difese.

Teorema (imperfetto): l'impossibile unità tra passione e ragione, cuore e cervello.
L'ennesima prova della maturità di Claude Chabrol ha i caratteri del noir borghese, e in questo senso si inserisce con coerenza nel solco tracciato dagli ultimi lavori del maestro francese, da Grazie per la cioccolata a Il fiore del male fino a La damigella d'onore.
L'innocenza del peccato - didascalica traduzione del titolo per l'originale "La ragazza tagliata in due" - segna però un ulteriore passo in avanti nel cesello psicologico del mondo della provincia, microcosmo dove Chabrol fa convivere il minimalismo della quotidianità e il massimalismo dell'amour fou.
Si cresce con sofferenza, veniamo tagliati in due dall'amore e alla fine non c'è consolazione.
Ogni immagine, ogni inquadratura resta impressa nell'occhio per un secondo in più di quello che ci aspettiamo, per una frazione temporale, con un movimento di ritardo, ogni inquadratura è una lacerazione tra testa e cuore, tra ragione e passione, il teorema del maestro è svolto con lucidità, ma anche con pancia, cuore, sangue.
Non a caso il lungo piano sequenza iniziale è virato in un cupo rosso sangue, e a ogni scarto narrativo seguono una conferma e uno spiazzamento.
Non ha paura di essere sentimentalmente estremo il cinema di Chabrol, di esplorare l'animo umano (e il cervello) e di dimostrare che non c'è unità ma costante compenetrazione, sovrapposizione di piani, punti vista migranti.
E al suo servizio c'è un cast di attori così bravi, perfino straordinari nella loro naturalezza e nella loro misura, così intensi da rendere perfetto il teorema imperfetto del maestro.
(Paolo Bignamini – Il Sole 24 Ore)

La Stagione CInematografica 2008 / 2009

2008-11-17T03:12:00.001-08:00

Cari Amici,

anzitutto benvenuti nel blog del Cinecircolo Casalini di Taranto.

La prima cosa che ci preme comunicarvi è che il 28 novembre s’inaugurerà la consueta Stagione Cinematografica del nostro Cinecircolo, un appuntamento che i cinefili tarantini attendono sempre con affetto.

La Stagione Cinematografica 2008/2009, che procederà sino al 20 marzo, prevede 13 incontri dedicati al cinema di qualità, con altrettanti film selezionati per trascorrere insieme momenti sereni e anche di riflessione.
Parte integrante del programma sono i tre appuntamenti di "OffiCinema", che quest’anno approfondiranno le personalità artistiche di Anna Magnani, Sean Penn e Julian Schnabel.

Questo in dettaglio il programma della Stagione 2008/2009 del Cinecircolo Casalini:

28/11 Non pensarci di Gianni Zanasi
con Valerio Mastandrea, Anita Caprioli, Giuseppe Battiston (It. 2007 – 105’)

05/12 Un bacio romantico di Wong Kar-wai
con Norah Jones, Jude Law, David Strathaim, Rachel Weisz, Natalie Portman (HK/Cina/Fr. 2007 – 95’)

12/12 Pranzo di Ferragosto di Gianni Di Gregorio (It. 2008 – 75’)

09/01 Il matrimonio di Lorna di Luc e Jean-Pierre Dardenne
con Arta Dobroshi, Jérémie Renier (Fr. 2008 – 105’)

16/01 Grace Is Gone di James C. Strouse
con John Cusack (Usa 2007 – 85’)

23/01 OffiCinema: Omaggio ad Anna Magnani

06/02 Juno di Jason Reitman
con Ellen Page, Michael Cera, Jason Bateman (Usa 2007 – 95’)

13/02 Il falsario di Stefan Ruzowitzky
con Karl Markovics, August Diehl (Germ/Austr 2007 – 98’)

20/02 OffiCinema: Omaggio a Sean Penn

27/02 La classe, di Laurent Cantet
con François Bégaudeau (Fr. 2008 – 128’)

06/03 Parigi, di Cédric Klapisch
con Juliette Binoche, Romain Duris (Fr. 2008 – 130’)

13/03 OffiCinema: Omaggio a Julian Schnabel

20/03 L’innocenza del peccato, di Claude Chabrol
con Ludvine Sagnier, Benoît Magimel (Fr./Germ. 2007 – 114’)

Vi ricordiamo che le proiezioni sono alla Sala Chaplin (in Via Plateja 142) e che gli spettacoli sono due, alle ore 17.45 e 21.15. Vi ricordiamo che gli incontri di "OffiCinema" sono pomeridiani e avranno inizio alle ore 17.45.
La quota sociale per gli adulti è di 33,00 Euro, mentre per gli studenti è di 27,00 Euro.

Le tessere sono disponibili presso la sede del Cinecircolo e la segreteria del Consultorio "Il Focolare" (primo piano) o presso la Libreria Dickens, in Via Medaglie d'Oro 129.

In attesa di ritrovarci,

cordiali saluti.

Le foto di tutti i film in programma

2008-11-16T08:44:00.000-08:00

Questo post è dedicato agli amici della Stampa.

Di seguito trovate le foto in alta definizione di tutti i film in programma nella Stagione Cinematografica 2008/2009 del Cinecircolo Casalini.

Cliccate sulle immagini e si apriranno le foto in alta definizione dei singoli film, ottime per le esigenze di stampa della vostra testata.

Grazie per la collaborazione e buon lavoro.

FOTO IN ALTA RISOLUZIONE

28/11 Non pensarci di Gianni Zanasi

05/12 Un bacio romantico di Wong Kar-wai

12/12 Pranzo di Ferragosto di Gianni Di Gregorio

09/01 Il matrimonio di Lorna di Luc e Jean-Pierre Dardenne

16/01 Grace Is Gone di James C. Strouse

23/01 OFFICINEMA: Omaggio ad Anna Magnani

06/02 Juno di Jason Reitman

13/02 Il falsario di Stefan Ruzowitzky

20/02 OFFICINEMA: Omaggio a Sean Penn

27/02 La classe, di Laurent Cantet

06/03 Parigi, di Cédric Klapisch

13/03 OFFICINEMA: Omaggio a Julian Schnabel

20/03 L’innocenza del peccato, di Claude Chabrol